lunes, 7 de enero de 2019

Estos 5 consejos de respiración transformarán tu danza

Si un profesor o un coreógrafo ha comentado alguna vez que tu baile parece rígido, el problema podría ser que no estás respirando de manera efectiva. "Cuando los bailarines no respiran, sus hombros están levantados y no hay amplitud en sus movimientos. Empieza a parecer como si solo estuviesen esperando a hacer el siguiente paso", dice Maria Bai, directora artística de Central Park Dance en Nueva York.

Puede parecer una obviedad, por supuesto que no te puedes mover sin respirar. Pero los bailarines principiantes suelen contener la respiración porque están muy concentrados en aprender la coreografía, dice Sarah Skaggs, directora de danza en Dickinson College. Incluso los bailarines avanzados pueden beneficiarse de centrarse más en su respiración. "A veces prestan tanta atención a lo que hacen sus extremidades que se olvidan de los pulmones, el tórax, el tronco. La respiración es lo último en lo que están pensando, pero en realidad debería ser lo primero", dice Skaggs. Cuanto más integrada esté su respiración, más relajado y presente te sentirás.

Practicar la integración de la respiración


Aprender a conectar la respiración con el movimiento comienza antes de que incluso empieces a abordar la frase musical. Lauren Sanford, directora de jazz, lírico y contemporáneo en Image Studio of Dance en Washington, incorpora las contracciones de Graham en su calentamiento para que sus estudiantes puedan sentir la relación entre la respiración y el movimiento. También les hace tumbar en el suelo, respirar hondo, lento e imaginar que están enviando esa respiración a diferentes partes de sus cuerpos. Esto puede ayudar a los bailarines a pensar en la respiración como una acción que involucra a todo el cuerpo, no solo el pecho y los pulmones.

Bai sugiere que los bailarines practiquen yoga para trabajar en el control de la respiración. "El yoga te hace concentrarte conscientemente en tu respiración, y eventualmente eso se convierte en un patrón que puedes encontrar cuando estás bailando", dice ella. De manera similar, Lindy Fines, directora artística de GREYZONE e instructora certificada de Pilates, con sede en la ciudad de Nueva York, encuentra que el Pilates se focaliza en la coordinación de la respiración con cada movimiento y esto puede ayudar a los bailarines a respirar de manera integral y pueden usar el inhala-exhala para facilitar tipos específicos de movimiento.

Prográmala estratégicamente


Incluso con mucha práctica, las coreografías difíciles o desconocidas pueden hacer que luches por integrar la respiración. Si este es el caso, intenta elegir puntos específicos en una frase donde respirarás. "Cuando estás haciendo un adagio, port de bras o vals, hay lugares para inhalar y elongar", dice Bai. "Es más difícil en frases rápidas. En esas situaciones, las transiciones son donde puedes encontrar la respiración".

Acostúmbrate a la respiración fuerte


Bailar a veces te dejará sin aliento. En lugar de luchar contra esto, aprende a trabajar con ello. No trates de ocultar el hecho de que estás respirando pesadamente, dice Skaggs; solo hace que sea más difícil recuperar y traer más oxígeno. "Los bailarines tienen que aprender a respirar profundamente y continuar sin colapsar. Si estás tranquilo al respecto, puedes ir más lejos", dice. Recomienda entrenarse con actividades como correr, andar en bicicleta y nadar para acostumbrarse a respirar pesadamente y desarrollar su resistencia cardiorrespiratoria.

Acentúa tu movimiento


Usar respiraciones intencionales y audibles también puede ser una opción estética. "La respiración agrega dinámica y textura a tu baile. Puede ayudarte a sentir la diferencia entre lo áspero y suave, el staccato y el sostenido", dice Sanford. Trata de usar la respiración para acentuar un movimiento brusco, o para alargar una extensión.

Cuando bailas una coreografía familiar, puedes insertar estas respiraciones intencionales de forma espontánea para ver cómo pueden cambiar tu ejecución de la frase. También puedes coreografiar la respiracón, pero ten cuidado de no exagerar. "Veo muchos respiros excesivos en las competiciones. Si respiras con fuerza todo el tiempo, el movimiento se ve robótico", dice Sanford.

Respira como un grupo


Ser consciente de tu respiración también es una forma comúnmente olvidada de conectarse con tus compañeros artistas, especialmente en las secciones al unísono. "Es realmente difícil moverse exactamente de la misma manera que otra persona. Pero si se combina con la respiración, su iniciación y seguimiento serán los mismos", dice Sanford. "Me encanta cuando puedo escuchar a un gran grupo de bailarines respirar juntos. Me pone la piel de gallina".

lunes, 24 de diciembre de 2018

Los Musicales de esta Navidad 2018 en Madrid

Billy Elliot, el musical
Del 5 de octubre de 2017 al 28 de abril de 2019.
Teatro Nuevo Alcalá

Billy Elliot, el musical se ha convertido en el acontecimiento de la temporada en Madrid, reconocido como el musical más emocionante. ha superado los 250.000 espectadores desde su estreno.

Con un elenco adulto de lujo, encabezado por Natalia Millán, Carlos Hipólito y el extraordinario elenco infantil formado en la Escuela Billy Elliot Scaena. Incluyendo la exquisita banda sonora compuesta por Elton John, con increíbles coreografías, una puesta en escena espectacular y una historia emocionante, Billy Elliot ofrece una experiencia teatral única y extraordinaria que ha conquistado los corazones de millones de espectadores en todo el mundo. Dadas las características de su extraordinaria puesta en escena, este musical sólo podrá disfrutarse en Madrid.

SINOPSIS
Localizado en una ciudad al norte de Inglaterra, en plena huelga minera de 1984/85, Billy Elliot narra la lucha de un adolescente en contra del mundo para hacer realidad sus sueños. El espectador acompaña a Billy en su viaje desde un ring de boxeo a unas clases de ballet, en las que descubre una pasión por el baile que devolverá la unión a su familia, inspirará a su comunidad y cambiará su vida para siempre.

Espectáculo recomendado para todos los públicos.

La Llamada
Del 9 de septiembre de 2018 al 28 de abril de 2019.
Teatro Lara

La llamada es un musical salido de las mentes de Javier Calvo y Javier Ambrossi. Comenzó siendo representada en la sala OFF del Lara y ahora conquista el escenario principal del teatro y el corazón de todos aquellos espectadores que ya la han visto. Un musical ya calificado de culto por la revista ICON que se ha convertido en todo un fenómeno.

El musical cuenta con 11 premios Broadway World, incluido Mejor Actriz, Mejor Dirección y Mejor Musical; también es Mejor Montaje del Año según los lectores de El País; tiene un Fotogramas de Plata – a la Mejor Actriz de Teatro; y Premio Libertad Teatro 2015 avalan también el espectáculo.

SINOPSIS

Bernarda, una monja recién llegada, quiere salvar el campamento con su canción “Viviremos firmes en la fe”. Milagros, una novicia con dudas, recuerda lo mucho que le gustaba Presuntos Implicados. Y María y Susana, dos adolescentes castigadas, tienen un grupo que se llama Suma Latina. Pero desde que Dios se le aparece a María cada noche, todo está cambiando. Y es que a Dios le encanta Whitney Houston. La Llamada es un musical sobre la fe, con una banda de rock en directo y canciones originales.

El Rey León
Del 28 de agosto de 2018 al 24 de febrero de 2019.
Teatro Lope de Vega

El Rey León es el musical que conmueve al mundo. Este espectáculo comienza su 8ª temporada de éxito ininterrumpido en Madrid, y ha batido todos los récords desde su estreno en 2011. Más de 2.200.000 de espectadores y más de 1.600 representaciones con llenos diarios, lo han convertido en el musical que más tiempo ha permanecido en cartel en Madrid de toda la historia. Producido por Stage Entertainment, El Rey León es la mayor producción musical jamás representada en España.

SINOPSIS

Ver El Rey León es vivir una experiencia única.

Espectacularidad. Un musical que te dejará sin palabras gracias a la sorprendente puesta en escena de una de las historias más conmovedoras de todos los tiempos.

Belleza. Toda una lección de vida que se ha convertido en un hito dentro del mundo del espectáculo, al fusionar las más sofisticadas disciplinas de las artes escénicas africanas, asiáticas y occidentales, con una banda sonora tan excepcional como inolvidable.
Emoción. Más de 80 millones espectadores en todo el mundo ya se han adentrado en este universo de valores, creatividad, ritmo y color que te atrapa de principio a fin.

Anastasia, el musical
Del 3 de octubre de 2018 al 3 de febrero de 2019.
Teatro Coliseum

El musical Anastasia se estrena en Madrid, siendo así la primera ciudad europea en tener en cartelera el espectáculo. The Wall Street Journal, The New York Times o Variety, entre otros medios, han aplaudido la calidad de esta gran producción.

SINOPSIS

Anastasia nos transporta desde el crepúsculo del Imperio ruso hasta la euforia de París en los años veinte, cuando una joven se propone descubrir su misterioso pasado. La joven se embarca así en una gran aventura para encontrar un hogar, el amor y su familia. El musical está inspirado en la película de animación estrenada en 1997 y que cuenta con temas tan conocidos como Once Upon a December o Journey to the Past’, que serán interpretados también en el musical. Esta historia, a su vez, se basa en la leyenda que cuenta cómo la Gran Duquesa Anastasia Nikolayevna logró escapar de la ejecución de su familia.

El médico, el musical
Del 5 de octubre de 2018 al 14 de febrero de 2019.
Teatro Nuevo Apolo

Llega a Madrid la espectacular puesta en escena del musical basado en el best-seller mundial El médico de Noah Gordon. Este musical se ha creado y producido íntegramente en España, y se trata de un proyecto muy ambicioso, puesto que cuenta con 33 actores en escena y 20 músicos en directo, convirtiéndose en la orquesta más grande del teatro musical español.

SINOPSIS

Rob J. Cole, un huérfano que es acogido como aprendiz por un pícaro cirujano-barbero con el que recorrerá la Inglaterra del siglo XI, abriéndole los ojos al mundo y despertando la curiosidad del pequeño. Cuando, ya con 19 años, Rob J. Cole descubre que existe una medicina más allá de las curas improvisadas del barbero, decide viajar a Persia para estudiar con el médico más importante de la época, Avicena. Por el camino, descubrirá un mundo muy distinto a Inglaterra, llegará a Persia, se encontrará con otros jóvenes que comparten su vocación y conocerá al mismísimo Sha. Pero antes de que el poder le muestre su cara más oscura, Rob conoce a Mary, una joven escocesa que viaja en la caravana con la que cruza el desierto y por quien se ve obligado a elegir entre su vocación y el amor. Sin embargo, Rob y Mary saben que nuestro destino, al final, está escrito en las estrellas.

West Side Story. El Musical
A partir del 3 de octubre de 2018.
Teatro Calderón

Se estrena por primera vez en España la versión original íntegra de West Side Story, de la mano de SOM Produce, productora de Billy Elliot, Priscilla o Cabaret, y coincidiendo con el Centenario de Leonard Bernstein. Ésta es la versión con la que este musical mítico debutó en el Winter Garden Theatre (Broadway, 1957).

Éste es uno de los musicales más importantes y representativos del teatro universal. La partitura es de Leonard Bernstein y Stephen Sondheim, reconocida como una de las mejores en la historia de los musicales. El texto de Arthur Laurens continúa siendo tan actual como el primer día y las coreografías originales de Jerome Robbins ocupan un lugar de honor en la leyenda del baile contemporáneo.

SINOPSIS

En West Side Story, Arthur Laurens transporta el Romeo y Julieta de Shakespeare a la ciudad de Nueva York, en donde dos jóvenes enamorados se ven atrapados por el enfrentamiento entre dos bandas callejeras, los “Americanos” Jets y los Puertorriqueños Sharks. Su lucha por sobrevivir en un ambiente de odio, violencia y prejuicios se transforma en una de las historias más emocionantes, desgarradoras, bellas y relevantes del teatro musical.

La Bella y la Bestia, el musical
Del 12 de octubre de 2018 al 27 de enero de 2019.
Teatro Maravillas

Una versión libre del cuento original de Bella y Bestia: El Musical. de Jeanne-Marie Leprince de Beaumont que recoge elementos de las adaptaciones cinematográficas más famosas para crear una historia tan emocionante como divertida para todos los públicos. Una carta de amor al poder transformador de los cuentos con 7 canciones originales, humor para toda la familia, proyecciones audiovisuales y una cuidada puesta en escena con una caracterización y vestuario que sorprenderán a aquellos que estén preparados para recibir otra visión del clásico.

SINOPSIS

Bella es la única hija del librero del pueblo, deseosa de vivir aventuras como las que lee en sus cuentos favoritos y que ignora a su pretendiente Don, el galán trovador. Un día, su padre se pierde en el bosque mientras hace un encargo y termina en el castillo de la Bestia. Por arrancar una rosa de su jardín, que prometió llevarle a Bella, la criatura se enfada y condena a su padre a vivir esclavizado con él. Bella se siente culpable y decide tomar su lugar para vivir junto a la Bestia y a sus sirvientes, que también han sido transformados: Limón, el mayordomo cínico y bocazas; Goldie, la cocinera que se come siempre su propia comida; y Furio, el limpiador del castillo, perfeccionista e histérico. Lo que no sabe Bella es que no todo es lo que parece, y debajo de esa actitud amenazante y grotesca de la Bestia se esconde un alma afín a ella.

El jovencito Frankenstein. El Musical
Del 10 de noviembre de 2018 al 2 de febrero de 2019.
Teatro de la Luz Philips Gran Vía

Tras alcanzar un gran éxito en Broadway y el West End, llega El jovencito Frankenstein, comedia musical de Mel Brooks. El espectáculo llega a Madrid coincidiendo con el segundo centenario de la obra Frankenstein, publicada el 1 de enero de 1818. La película de Mel Brooks es un homenaje a las adaptaciones cinematográficas de la novela de Mary Shelley, ‘Frankenstein.

Esta comedia musical está producida por LetsGo Company, que tras el éxito de ‘Dirty Dancing’, la saga ‘The Hole’ y ‘La Familia Addams’ continúa su puesta en escena con este show terroríficamente divertido. Para trasladarlo a las tablas del teatro, confía una vez más en la dirección de Esteve Ferrer, como ya lo hizo con ‘La Familia Addams’.

SINOPSIS

Después de heredar un castillo en Transilvania, el Dr. Frederick Frankenstein (nieto del famoso Víctor Frankenstein) tratará de continuar con el legado de su abuelo intentando dar vida a un nuevo ser. Gracias a la ayuda del jorobado Igor, su exuberante asistente Inga y su necesitada prometida, Elizabeth, el experimento del Dr. Frankenstein será todo un éxito. Un éxito de monstruosas consecuencias.

La Fuerza del Destino: Homenaje a Mecano
Del 14 de septiembre de 2018 al 8 de febrero de 2019.
Gran Teatro Bankia Príncipe Pío

La fuerza del destino es un espectáculo creado por músicos, cantantes y bailarines de los musicales de Nacho Cano, que nos transporta a un trayecto en metro, donde las paradas se convierten en canciones de Mecano.

SINOPSIS

Un viaje por la banda sonora de nuestras vidas. El formato combina la música en directo, la danza y la interpretación de los personajes que dan vida a estas canciones; todo ello apoyado por un gran montaje audiovisual. Pop, rock, rumba, salsa, flamenco, soul o jazz son el gran atractivo de este espectáculo para todos los públicos.

El director escénico, Hansel Cereza (La Fura dels Bahus, Cirque du Soleil, Ballet Nacional) ha participado en este montaje que lleva más de cinco años girando por los escenarios españoles.

Adaptación reducida del espectáculo original.

Chicago: Cine Inmersivo
Del 28 de enero de 2018 al 28 de diciembre de 2018.
Gran Teatro Bankia Príncipe Pío

Cine Inmersivo, la nueva versión del séptimo arte que arrasa en Estados Unidos y Reino Unido llega a España con Chicago: Cine inmersivo.

Un espectáculo donde los números son representados simultáneamente en la pantalla y en directo gracias 17 actores que conseguirán la sensación única de estar en en el centro de la historia. Una forma única de ver esta película ganadora de trece premios Óscar y de ocho Globos de Oro.

SINOPSIS

El teatro se transformará en el enigmático ambiente del Chicago de los años 20, para recrear en vivo la oscarizada película Chciago dirigida por Rob Marshall e interpretada por Richard Gere, Renée Zellweger y Catherine Zeta-Jones. Los números musicales serán interpretados simultáneamente en pantalla y en directo. Una sensación única y mágica. Una experiencia “cine-teatral” que no te puedes perder. ​

Los números musicales serán interpretados simultáneamente en pantalla y en directo.

Peter Pan, el musical
Del 13 de octubre de 2018 al 26 de enero de 2019.
Teatro Maravillas

Peter Pan, el Musical nos sumerge en un mundo, donde fantasía y realidad nos transportan al país de los sueños, tanto a niños como a mayores.

SINOPSIS

El musical narra las aventuras en el País de Nunca Jamás de Peter Pan, su compañera Campanilla, su amiga Wendy y los Niños Perdidos, en su lucha contra el malvado pirata Capitán Garfio.

Efectivamente, Peter Pan es un regalo maravilloso donde disfrutar de una puesta en escena con casi 30 personajes, números acrobáticos, música, canciones en directo, bailes y un sinfín de sorpresas que va más allá de lo teatral para convertirse en una gran fiesta llena de emociones; posibilitando que niños y adultos compartan el placer de una historia sofisticada y traviesa.

“Peter Pan es un gran regalo que eleva al espectador a un lugar extraordinario lleno de aventuras y magia ¡Mientras la obra de Peter esté en cartel, la siguiente mejor se encuentra muy por debajo de ella!”, Mark Twain.

33, el musical
Del 22 de noviembre de 2018 al 27 de enero de 2019.
Espacio 33

33, el musical es una creación de Toño Casado para ofrecer una nueva mirada hacia la figura de Jesucristo y para el que se ha tenido que construir un nuevo espacio, el “Espacio 33”, que pretende romper con todo lo establecido en España hasta el momento en el teatro musical.

SINOPSIS

A pesar de los consejos de su madre, Jesús, un carpintero de Nazaret, decide ir a Jerusalén impulsado por la ilusión de llevar la mejor de las noticias. Acompañado de un grupo de seguidores y esquivando a un demonio sofisticado y peligrosamente seductor, llega a una ciudad decadente que le recibe como una auténtica revolución. Su mensaje y sus comportamientos provocan tanto la admiración como el mayor de los rechazos. Y eso le irá llevando a un desenlace terrible que terminará con toda su utopía en una oscura tragedia. Pero ¿Y si la historia no se acabase aquí…?

33, el musical es la historia de un hombre que cambió el transcurso de la humanidad. Un musical que nos cuenta los tres últimos años de la vida de Jesús y de cómo cambió el mundo con un mensaje de amor.


viernes, 14 de diciembre de 2018

Carlos Acosta: la increíble historia del futbolista bailarín que no quería bailar

Bailando break dance callejero y soñando con ser futbolista en un barrio marginal de La Habana, Cuba, llamado Los Pinos: así pasó su infancia Carlos Acosta, el primer bailarín negro en interpretar a un Romeo y cuya historia cuenta Icíar Bollaín en «Yuli». Pero su padre –un camionero de origen esclavo– tenía otros planes para él. Para que huyera de la violencia y los trapicheos, le obligó a ir a la escuela elemental de ballet con apenas nueve años. Dos autobuses y un madrugón parecían ser la única consecuencia que le traería este nuevo «hobbie»; sin embargo, Acosta comenzó a meterse en peleas con aquellos que lo llamaban «maricón» y dejó de ir a clase. Las continuas faltas y alguna que otra indisciplina hicieron que el cubano fuese expulsado del colegio, algo que a su padre no le sentó bien. La expulsión desencadenó una fuerte pelea padre-hijo que terminó con una paliza a un Carlos Acosta que fue internado en una escuela de artes en la provincia de Pinar del Río.


Carlos Acosta ya sabía lo que era sufrir la división racial en su propia familia, y lo seguiría viendo en las diferentes compañías en las que trabajaría. La parte materna era blanca; es decir, podían ir a la playa de Varadero y tenían pasaporte. Sin embargo, ni él ni su hermana Marilín tenían acceso a esos privilegios por ser hijos de Pedro Acosta, un hombre de carácter difícil y orgulloso de su origen esclavo que les inculcó que por su condición de negros y pobres tendrían que esforzarse y luchar el triple que los demás. Y así fue. Por «suerte» para Acosta, el estar alejado de su familia le dio la rabia y la pasión que necesitó para entregarse en cuerpo y alma a la danza. Cada miércoles, los alumnos de la academia recibían la visita de sus familiares. Le traían comida y materiales para las clases; sin embargo, Acosta siempre pasaba el día solo. A él no iba a verle nadie.

Este bailarín cubano fue el encargado de romper con la idea de que los bailarines de ballet tienen que ser «príncipes blancos y rubios»; es decir, que lo que importa es la capacidad y el esfuerzo, no la raza. Con apenas 16 años, ganó la medalla de oro en el Grand Prix de Lausanne. Dos años después pasó a formar parte del English National Ballet, contando con el apoyo del gobierno cubano. «Nunca tuvo demasiado problema para salir del país», comentó Icíar Bollaín durante el rodaje en el Teatro del Canal. También estuvo en el Ballet Nacional de Cuba, pero, al no sentirse valorado, decidió cambiar de compañía y estuvo en el Houston Ballet como figura principal o en el American Ballet Theatre. Hasta 1998, cuando recibió una prometedora llamada de Anthony Dowell, entonces director artístico del Royal Ballet.

El exbailarín quería que se incorporase a su equipo y lo hizo. Allí desarrolló la parte más destacada de su carrera, y fue en el Royal Ballet donde consiguió protagonizar «Romeo y Julieta», un papel que había sido reservado hasta entonces para bailarines blancos y con el que conquistó al público. Trabajó con ellos como miembro permanente hasta 2003, año en el que pasó a ser actor principal invitado. Esta posición, además de reducir su comportamiento con el Royal Ballet, le permitió aumentar sus apariciones internacionales. Aun así, Acosta continuó su relación con la compañía hasta noviembre 2015. Fue entonces cuando se despidió de esta etapa con una coreografía propia de Carmen, que bailó con la española Tamara Rojo, en el escenario del Royal Opera House.


Ahora, Acosta vive con su esposa y sus tres hijas en una hermosa casa de Siboney. No muy lejos, en La Habana, tiene su propia academia de danza, donde forma a los futuros miembros de su agrupación. Lo hace tras haberse «reconciliado» con su pasado al escribir «No way home» (2006), el libro en el que reveló las idas y venidas de su increíble carrera. Una novela difícil de escribir, que inspiró al guionista Paul Laverty para escribir el guion de «Yuli», la película que dirige Icíar Bollaín.

La directora define esta película, producida por Morena Films y BBC, como un filme «opuesto a Billy Elliot», ya que las historias que se muestran en la gran pantalla suelen contar la vida de un niño que quiere bailar y al que su familia no le deja, pero aquí es al revés. «Su biografía recorre los últimos 30 años de la isla, cómo parte de su familia se fue a Miami y la otra se quedó, o cómo volvió con el 'periodo especial'», recuerda. Pero no es un biopic al uso. «La historia está rota, dividida en dos mundos. En uno está Carlos Acosta en el presente en La Habana ensayando con su compañía un espectáculo –que comparte nombre con la película– en el que recorre su vida coreografiada por María Rovira y que ha sido inventada para la película. Pero es en ese teatro en el que él está bailando esos momentos de su vida, cuando se va al pasado y nos vamos a la ficción», cuenta.

Cuba tiene un papel importante en «Yuli». Sin embargo, se trata de una historia personal de alguien que tuvo una relación buena con su país. «Se benefició de las oportunidades que se les daba a los artistas de crecer, aun viniendo de barrios humildes. Y él le devolvió el favor al retornar a La Habana primero con el Royal Ballet y luego creando su propia compañía», matiza.

Con acento español

Bollaín rodó «Yuli» en La Habana, Londres y Madrid. La directora se muestra meticulosa en el rodaje. Busca la perfección en cada plano así que no duda en repetir la escena una y otra vez, exigiendo un esfuerzo titánico a Kevin Martínez, el encargado de interpretar a Carlos Acosta en su juventud.

Para esta película, Icíar Bollaín se ha rodeado de profesionales españoles para asegurarse de que hasta el más mínimo detalle de esta historia esté cuidado. Álex Catalán, que dio luz a la desolación de los últimos españoles en «1898: Los últimos de Filipinas» o que puso color a la transición española en «La isla mínima», se asegura de que reluzcan los saltos de las tres versiones de Carlos Acosta que veremos en el filme de la madrileña. Mientras que Alberto Iglesias, compositor de las bandas sonoras de películas como «Hable con ella» o «Julieta», ha hecho lo propio con la música.

Rompiendo barreras

Al igual que Carlos Acosta ha cambiado los prejuicios que existían en el ballet, Bollaín también ha hecho lo propio en el cine. La madrileña es una de las tres únicas mujeres que han ganado el Goya a la mejor dirección. Aún así, la representación femenina en el mundo cinematográfico no es el que le gustaría. «Cuándo yo estrené ‘Hola, ¿estás sola?’ hace 20 años, entramos en el cine más de 30 mujeres y pensamos que ya estaba solucionado, pero ha pasado el tiempo y no llegamos a ser más del 10%, entonces, ¿qué hacemos?», reflexionaba Bollaín sentaba en una butaca del Teatro Canal.

lunes, 26 de noviembre de 2018

Festival Madrid en Danza 2018


La danza en todas sus particularidades y estilos debe estar precedida de dos propósitos fundamentales: rigor y entrega. Este pronunciamiento lleva implícito la calidad, la innovación y esa poesía del movimiento, esa belleza a la que muchas veces no sabemos dar un nombre. La danza, de todas las expresiones artísticas, es la que posee mayor capacidad comunicativa por encima de cualquier barrera, desde la idiomática hasta la geográfica. Un cuerpo, dos cuerpos, aun viniendo de las Antípodas, son capaces de entenderse, comunicarse y expresarse a través del movimiento danzado. Madrid en Danza 2018 se mantiene fiel a esta filosofía y continúa en la senda de ser un festival prismático, abierto y cosmopolita, de servir de plataforma en forma de crisol, de unir en su programa desde el ballet académico y clásico más ortodoxo a las formas más actuales de la danza contemporánea y el teatro físico. No hay más limitación que la que ponga nuestro intelecto. Madrid en Danza es una celebración del Arte con mayúsculas.

Es verdad que seguimos viviendo una época nada fácil; puede decirse que convulsa en todos los ámbitos de la vida, de la política a la economía, de lo social a lo cultural. La danza no vive de espaldas a todo eso, sino, muy al contrario, responde con lo mejor de su expresión artística y así se hace presente, necesaria, y nos atrevemos a decir que imprescindible. Bailamos para reafirmar nuestro lugar en el mundo y en la vida.

El programa 2018 de nuestro festival, que será en diciembre, trae tres semanas de espectáculos cuidadosamente seleccionados y algunos de ellos concebidos especialmente para la ocasión. Hemos exprimido los recursos hasta obtener una oferta sólida, compacta y amena, que sea una respuesta acorde a la fidelidad que ha demostrado el público en estos años. Del Ballet Nacional de China a Hervé Koubi y sus Noches bárbaras, de Kukai Dantza a imPerfect Dancers Company. A esas prestigiosas compañías de éxito debemos sumar apuestas que parten de individualidades de gran magnetismo, como son The Great Gatsby Ballet con Denis Matvienko, una de las más dinámicas estrellas internacionales del ballet de hoy. Lo mismo sucederá con la danza española y el flamenco, con nombres señeros que encabezan el cartel -Eduardo Guerrero y Joaquín Grilo- y con la presencia de jóvenes pujantes que buscan su sitio desplegando su talento, como Marco Flores y Cristian Martín Cano.

Otras aportaciones que no debemos dejar de mencionar son el Ballet British Columbia, que dirige Emily Molnar y que trae, entre otras obras, una de Cayetano Soto y otra de Crystal Pite, la gran revelación como coreógrafa de la actualidad mundial; la compañía Danza Mobile con El festín de los cuerpos; la agrupación Resodancer con un programa mixto de coreografías de Shi Pratt, Guy Shonroni y Yaniv Abraham; el Proyecto Larrua, liderado por Jordi Villaseca, e imPerfect Dancers, que ofrecerán una revisión propia de Lady Macbeth, con la dirección coreográfica de Walter Matteini e Ina Broeckx. Se completa el aporte de las compañías españolas con LaMov, de Zaragoza, que fundó y dirige el coreógrafo y bailarín Víctor Jiménez desde 2008, que acerca al festival la creación Terrenal, con música de Mozart y Jorge Sarnago.

Este año 2018 se celebra en todo el mundo el 200 aniversario del nacimiento de Marius Petipa, sin duda, el coreógrafo más grande todos los tiempos y eje estético de la mejor herencia del ballet universal. Su huella y su prodigiosa creatividad siguen presentes y vivas hoy. Madrid en Danza contribuye a tan importante efeméride con una gala de artistas rusos, primeros bailarines de las principales compañías de aquel país, donde Marius Petipa desarrolló toda su madurez y su carrera artística y donde murió a los 92 años, después de haber legado obras maestras que se siguen bailando hoy, como La bella durmiente, Raymonda, La Bayadera o El lago de los cisnes.

Recientemente se ha puesto en marcha la Academia para la Difusión de la Danza Española, cuyo principal propósito es obtener la denominación de la Danza Española como un bien patrimonial y público de gran importancia. Para reforzar y respaldar esta idea, Madrid en Danza nos ofrece una gala de presentación que reunirá piezas de repertorio desde la escuela bolera hasta la danza estilizada y el clásico español, con el aporte de nuestros mejores coreógrafos y bailarines tanto históricos como actuales.

Como acto colateral excepcional, llevaremos la danza a las salas del Museo del Prado con un variado grupo de artistas como Mattia Russo, Antonio de Rosa, Fabrice Edelman, Allan Fallieri y Javier Monzón, con el colofón de una muy escogida pincelada testimonial de la danza española: tres bailarinas acompañadas por cuerdas harán una versión de Goyescas de Granados.

PROGRAMACIÓN
 
5, 6 y 7 diciembre: El destacamento rojo de mujeres - Ballet Nacional de China. (Teatros del Canal - Sala Roja)

8 y 9 diciembre: Radio & Juliet​ - Quatro - The Great Gastby Ballet (Teatros del Canal - Sala Roja)

8 diciembre: Faro​ - Compañía Eduardo Guerrero (Teatro Real Coliseo Carlos III)

9 diciembre: Terrenal - LaMov Compañía de Danza (Teatros del Canal - Sala Verde)

13 y 14 diciembre: Triple Bill -  Ballet British Columbia (Teatros del Canal - Sala Roja)

15 y 16 diciembre: Gala de Ballet homenaje a Marius Petipa (1818-1910)​ - Primeros bailarines de los Teatros Bolshoi de Moscú y Mariinski de San Petersburgo (Teatros del Canal - Sala Roja)

16 diciembre: Salvatio - Kor'sia (Museo Nacional del Prado)

16 diciembre: Bashdoor, la victoria absurda - FM Art Collective (Museo Nacional del Prado)

16 diciembre: KJAJ - Fabrice Edelmann (Museo Nacional del Prado)

16 diciembre: Goyescas (Museo Nacional del Prado)

18 diciembre: Oskara - Kukai Dantza (Teatros del Canal - Sala Verde)

19 y 20 diciembre: Subject #1​ - Resodancer Company (Teatros del Canal - Sala Verde)

21 diciembre: Fase alterna - Cia Marco Flores (Teatros del Canal - Sala Verde)

21 diciembre: Cositas mías - Compañía Joaquín Grilo (Centro Cultural Paco Rabal)

22 y 23 diciembre: Lady Macbeth​ - imPerfect Dancers Company (Teatros del Canal - Sala Verde)

22 diciembre: Baserri​ - Proyecto Larrua (Centro Comarcal de Humanidades Cardenal Gonzaga)

27 diciembre: El festín de los cuerpos​ - Compañía Danza Mobile / INcubo Teatro (Teatros del Canal - Sala Negra)

28 diciembre: Gala de danza española - ADE (Teatros del Canal - Sala Verde)

29 y 30 diciembre: Les Nuits Barbares ou les premiers matins du monde​​ - Cie. Hervé Koubi (Teatros del Canal - Sala Verde)

30 diciembre: SER - Cristian Martín (Cuarta Pared)

lunes, 19 de noviembre de 2018

4 técnicas de danza moderna fundamentales

Las técnicas de danza moderna fundamentales ayudan a desarrollar una gran variedad de destrezas. Estos métodos de entrenamiento son excelentes, no solamente para los bailarines modernos, sino tambén para las personas que bailan cualquier tipo de baile. La Técnica Duncan, la Técnica Graham, la Técnica Hawkins y la Técnica Limón son cuatro de las principales técnicas que ofrece el mundo de este arte.

01. Técnica Duncan


Si te apasiona la danza libre y quieres bailar con una gracia natural, la técnica Duncan es una buena alternativa para ti. Esta técnica de danza, que inventó la precursora de la danza moderna, Isadora Duncan, se enfoca en liberar la expresión orgánica del cuerpo.

Duncan enfatiza la fluidez de los movimientos libres, la musicalidad, los movimientos de la naturaleza y las formas inspiradas en el arte clásico griego. Su técnica ayuda a eliminar los hábitos que obstruyen una expresión pura y limpia en la danza.

La Técnica Duncan es muy femenina, pero los hombres también se pueden beneficiar de sus clases. No exige que tengas un cuerpo ni una fuerza física específica. Tampoco necesitas experiencia previa de baile para empezar a tomar clases de la Técnica Duncan.

02. Técnica Graham


Si tu principal interés al bailar es expresar emociones fuertes, la Técnica Graham debe formar parte de tu entrenamiento. Bailes o no bailes danza moderna, la técnica Graham ayuda a mejorar tu capacidad de expresar todo el abanico de las emociones humanas en una danza.

Los principios básicos de la técnica Graham son la contracción y la relajación o “release”. Esta técnica desarrolla la capacidad expresiva e interpretativa del torso mediante estos principios. Graham también enfatiza la coordinación de la respiración en cada movimiento, el trabajo en el suelo, la pelvis como lugar de inicio, y los movimientos en forma de espiral.

La Técnica Graham se enseña a todos los niveles, desde principiante hasta avanzado. Tiene ejercicios y movimientos codificados para cada nivel de aprendizaje.

La Técnica Graham fue inventada por la gran bailarina de la danza moderna, Martha Graham. Es una técnica esencial para toda persona que quiera aprender los fundamentos básicos de la danza moderna.

03. Técnica de Hawkins


Si quieres aprender a bailar libre de tensiones innecesarias con el menor esfuerzo posible, la Técnica Hawkins es una de las mejores alternativas de entrenamiento para ti. Con la Técnica Hawkins puedes aprender a mover cada parte de tu cuerpo usando el mínimo de esfuerzo muscular.

El gran bailarín de danza moderna, Erick Hawkins, desarrolló esta técnica con la intención de dar al bailarín un entrenamiento que no causara lesiones. Para lograr esto, Hawkins incorporó en su técnica conocimientos de la ciencia—como la kinesiología—y disciplinas espirituales del oriente.

El principio central de la Técnica Hawkins es el uso de movimentos fluidos y libres que se inician desde el centro de gravedad del cuerpo. La técnica se enfoca en generar movimientos que sigan los principios anatómicos de la postura y la alineación corporal.

Hawkins creía que la danza era una expresión de la integración del cuerpo, la mente y el alma. Su técnica ayuda precisamente a desarrollar esa integración.

04. Técnica Limón


¿Te gustaría bailar usando la capacidad expresiva de tu cuerpo al máximo de una manera orgánica? La Técnica Limón ayuda a descubrir, explorar y desarrollar al cuerpo entero como un instrumento de expresión.

Limón se enfoca en descubrir los movimientos más orgánicos del cuerpo. Explora la relación del peso del cuerpo con la fuerza de gravedad. En esta técnica los principios de la caída, la recuperación del equilibrio y el rebote se exploran en sus ritmos más naturales. 

La Técnica Limón crea una conciencia extraordianria acerca de la importancia de la respiración en la danza. Ayuda a entender cómo la respiración prepara para iniciar un movimiento, cómo la respiración afecta cada movimiento y cómo la respiración genera fluidez en la danza.

Limón pensaba que el torso era una parte poderosa del cuerpo para expresar emociones. Su técnica ayuda a desarrollar una capacidad expresiva del torso impresionante.

A pesar de que Limón era un bailarín de danza moderna, su técnica es excelente para mejorar las destrazas de baile en cualquier tipo de baile.

lunes, 22 de octubre de 2018

Bailar protege el cerebro

Cuando nos introducimos en la pista de baile, nuestro cuerpo intenta sincronizarse al ritmo de la música y nuestro cerebro orquesta todos esos movimientos, ordenando a nuestras articulaciones cuándo y cómo moverse. Estamos bailando.


Los mecanismos del cerebro

Existen distintos mecanismos neuronales relacionados con el baile: cuando nos movemos, empleamos neuronas y sustancias químicas del cuerpo para controlar los músculos que afectan a las articulaciones, al movimiento y al equilibrio. El sistema nervioso activa grupos de músculos que trabajan juntos para lograr un amplio rango de movimiento y así demostrar nuestras muchas o pocas dotes como bailarines.

Los movimientos voluntarios, como bailes con una coregografía marcada como una bachata o el tango, se originan en la corteza motora, que está implicada en la planificación, control y ejecución de este movimiento. Las señales procedentes de la corteza motora viajan a través de 20 millones de fibras nerviosas de la médula espinal para que, por ejemplo, la muñeca o el dedo del pie respondan de una manera determinada. Curiosamente, cuanto más pequeño es el movimiento, más dedicación recibe de la corteza motora, lo que llamamos la corteza somatosensorial, una región media del cerebro responsable del control motor, que también juega un papel clave en la coordinación ojo-mano.

Por otra parte, los ganglios basales, otro grupo de células del cerebro, también se comunican con otras regiones del cerebro para coordinar sin problemas el movimiento. Así, todo este complejo engranaje del cerebro traduce finalmente las señales neuronales en la lista de baile convirtiendo nuestros movimientos en reales.

Pero, ¿de qué manera afecta el hecho de bailar a nuestro órgano pensante?

Según el neurocientífico y director de la Science Gallery en el King's College London (Reino Unido) Daniel Glaser, bailar mejora la función cerebral a una gran variedad de niveles. Por un lado, nuestra memoria muscular nos permite aprender cómo llevar a cabo un baile sin tener que pensar en los pasos. Esto sucede porque los movimientos encajan a fondo en el cerebro, creando una especie de taquigrafía entre lo que pensamos y lo que hacemos. Esto es, memorizamos cómo hacer las cosas de una forma tan eficiente que no requieren de un esfuerzo consciente por nuestra parte. Repetir los pasos de baile constantemente nos lleva a tal punto que podemos llevarlos a cabo de forma automática.

Además, a pesar de que la memoria muscular sea incapaz de distinguir cuándo nos equivocamos al hacer un paso y cuándo no, algunos estudios han planteado que las endorfinas que se liberan tras realizar un movimiento correcto en el baile, hacen que el cerebro almacene como forma adecuada tal movimiento; un proceso que reconfigura continuamente las vías neuronales del cerebro.

Las células de memoria muscular pueden activarse con cualquier actividad. Las evidencias científicas sugieren que los cambios que, por ende, pueden producirse en nuestra materia gris, pueden conducir, a su vez, a modificaciones en nuestras capacidades. Bailar integra varias funciones del cerebro implicadas en la cinestesia, al seguir el ritmo y vivir la emoción positiva mientras bailamos; todas ellas aumentan la conectividad de nuestro cerebro.

Según una investigación publicada en la revista New England Journal of Medicine, bailar puede prevenir además las enfermedades neurodegenerativas y aumentar la agudeza mental a todas las edades. Practicar baile o actividad similares, puede reducir drásticamente la aparición de la demencia y la enfermedad de Alzheimer. Y es que el baile obliga al cerebro a recolocar regularmente sus vías nerviosas, especialmente en las regiones que implican la función ejecutiva, la memoria a largo plazo y el reconocimiento espacial.

lunes, 15 de octubre de 2018

‘Pole dance’: el secreto para no envejecer

La californiana Greta Pontarelli se ha convertido, a sus 67 años, en la nueva estrella de la complicada modalidad del ‘pole dance’. A los 59 fue diagnosticada de osteoporosis y decidió lanzarse a la práctica de este deporte para fortalecer su cuerpo. ¿Lo mejor? Hemos podido hablar con ella.

“Los desafíos en la vida dependen de nuestra confianza en poder hacerlo”, es uno de los lemas de Greta Pontarelli, la estadounidense que se ha convertido, a sus 67 años, en toda una reina de la sensual y complicada técnica del ‘pole dance’. Su edad no solo no le ha supuesto ningún impedimento a la hora de hacer prueba de una gran destreza y flexibilidad en la barra, sino que, según ella, es precisamente este deporte el que le permite encontrarse tan joven y en buena forma. Tanto que Greta es hoy en día una de las referencias a escala internacional en esta modalidad.

Para los que anden un poco perdidos, el ‘pole dance’ es un baile en barra que requiere de una tremenda preparación atlética, así como una importante fuerza y resistencia, ya que en él se introducen movimientos acrobáticos y equilibrios casi imposibles.

Más allá de que a sus 67 años Pontarelli se haya convertido en toda una referencia y en la reina del ‘pole dance’, lo más impresionante de su historia es que sus primeros pasos en esta variedad de baile casi imposible los daba hace apenas cinco años y a causa de su diagnóstico de osteoporosis.


A pesar de haber practicado gimnasia en su juventud, Greta llevaba más de 40 años sin hacer deporte y, tal y como ella misma cuenta, durante su primera clase no podía ni siquiera subirse a la barra. “Al principio fue duro, pero fui constante y celebré mis pequeñas victorias”, nos asegura.

Mucha dedicación y esfuerzo han dado como resultado las impresionantes piruetas que podemos contemplar hoy en los muchos vídeos con los que cuenta en su canal de YouTube. Muchos de sus vídeos han conseguido millones de reproducciones en un solo día en esta conocida plataforma.


Hoy, Greta Pontarelli es nada menos que cinco veces campeona mundial de ‘pole dance’ y continúa en el camino de seguir mejorando y aprendiendo. “Recuerdo que cuando subí al avión, camino a Londres para mi primer campeonato del mundo, no paraba de preguntarme si estaba loca. Aun así, lo hice y volví a casa con un título mundial. Esa victoria me ayudó a seguir adelante y convertirme en mi mejor versión”, nos cuenta entusiasmada.

Su mantra: el esfuerzo y la motivación

¿Es muy duro su día a día? Tal y como nos cuenta, Greta entrena dos horas al día, “da igual si el día es muy caluroso o muy frío. Es muy fácil encontrar excusas que te mantengan alejado de tus sueños”, a lo que añade que “también es importante mantener una dieta limpia y equilibrada”.


Su filosofía es la del trabajo y, según ella, además de los beneficios para su cuerpo, el ‘pole dance’, también llamado ‘pole fitness’, le ha ayudado a desarrollar enormemente su plasticidad y elasticidad, así como la capacidad para coreografiar historias significativas e inspiradoras. “Necesitamos desafiarnos a nosotros mismos todos los días. A veces podemos sentir algo de miedo, pero tenemos que seguir adelante y hacerlo de todos modos”, sentencia.

No hemos dudado en preguntarle a Greta si cree que todos los yolds estaríamos capacitados para adentrarnos en una disciplina tan dura con casi 60 años. “Por más que nos parezca sorprendente, el ‘pole dance’ es muy apto para nuestra edad, ya que no ejerce presión en las articulaciones. A partir de los 50 empezamos a perder cartílago y cuesta más hacer determinados deportes, como correr. Pero podemos perfectamente volar con la ayuda de la barra. Hay muchos deportes que podemos comenzar con esta edad, pero es necesario aprender a escuchar al cuerpo y saber lo que le conviene y lo que no”.


Para Greta, una de las mejores cosas que le ha aportado su éxito ha sido el poder dar a conocer su historia e inspirar a otros a no dejar que, ni la edad ni ninguna otra limitación, les impida conseguir sus sueños: “Muchos dicen que a los 40 ó 45 es muy tarde para empezar a aprender algo nuevo. Si por algo soy feliz, es por poder convencer al mundo de que nunca es demasiado tarde para soñar y ser feliz”. 

Greta no quiso despedirse sin dirigir una palabras a todos los yolds: “Encuentra cosas en tu vida que provoquen que tu alma cante y persíguelas con pasión. No te rindas cada vez que te topes con un obstáculo, porque los desafíos se consiguen a base de esfuerzo. Recuerda que tú eres el dueño de tu destino, así que no dejes que la edad sea una limitación a la hora de perseguir tus sueños”.

¡Gracias, Greta!

Escrito por: Carmen Matas