lunes, 1 de abril de 2019

El Nihon Buyo o Danza tradicional japonesa

El Nihon Buyo es un baile refinado, con movimientos lentos y contenidos, que se baila al ritmo de las nagauta o canciones largas, un tipo de música tocada con shamisen, flauta japonesa, tambores de mano kotsuzumi y tambores taiko. Pero una de las particularidades del Nihon Buyo es que no es simplemente un tipo de danza tradicional, sino que en realidad mezcla el baile con ciertos toques de pantomima, de teatralidad.


El Nihon Buyo como tal se popularizó en el periodo Edo, con la actuación de la bailarina Izumo-no-Okuni a principios del siglo XVII, que bailó un tipo de danza llamada “Nenbutsu Odori”, acompañada por primera vez de flautas y tambores que a partir de entonces se utilizó como la base del Nihon Buyo. Sin embargo, este tipo de baile se ha ido desarrollando con los siglos y sus orígenes son anteriores, ya que hay menciones del Nihon Buyo en el Kojiki (completado en 712).


Así pues, el Nihon Buyo es un tipo de baile extremadamente refinado que ha ido tomando forma con el paso de los siglos gracias a lasinfluencias del teatro popular kabuki, el teatro dramático noh, los bailes populares kagura y bugaku y hasta de la influencia occidental. El teatro kabuki es probablemente una de las influencias más grandes del Nihon Buyo, o quizás deberíamos decirlo al revés, ya que el Nihon Buyo se inspiró en el Kabuki Buyo, un tipo de baile que sería el precursor del teatro kabuki. Del teatro noh, el Nihon Buyo extrae los movimientos circulares y los objetos que se utilizan para bailar, mientras que los giros y saltos típicos de los bailes populares japoneses también aparecen en el Nihon Buyo.
 

En el Nihon Buyo es básica la utilización del abanico japonés (osensu)que puede representar desde objetos a cambios en las condiciones meteorológicas, aunque las sombrillas o las ramas de cerezos en flor también son otros objetos habituales en este tipo de danza.


Actualmente existen varios tipos de Nihon Buyo: el estilo clásico, el suodori buyo (en el que no se utilizan trajes especiales) y el sosaki buyo (típico de la actualidad, en el que se bailan piezas originales), además de muchas escuelas especializadas, cada una con su estilo y sus particularidades. Entre las más conocidas encontramos las de Nihikawa, Fujima, Bando, Hanayagi y Wakayagi, y según la fundación de Nihon Buyo en la actualidad hay unos 5.000 bailarines profesionales de Nihon Buyo.
 


Entre los extranjeros el Nihon Buyo es especialmente conocido por ser el tipo de danza que bailan maikos y geishas.

lunes, 25 de marzo de 2019

El Dancehall y su relación con el Afrobeat y la Soca


Ya hemos hablado en alguna ocasión del sentir de l@s Dancehall Addicts acerca del auge del Afrobeat en los clubes de Europa o del trato preferente que se está dando a la Soca en Jamaica por parte de las clases domintantes.

Sin embargo, hoy vamos a repasar ambos temas recordando el famoso dicho de “Si no puedes con tu enemigo, únete a él”.


AFROBEAT

En diciembre del 2016, publicamos un artículo donde Ce’cile, la famosa deejay de Dancehall, expresaba su preocupación acerca de que Jamaica estaba perdiendo terreno en los clubes europeos frente a los artistas africanos. Desde entonces, se ha podido ver cierto malestar ante las sucesivas derrotas que estaba sufriendo el Dancehall, probablemente como consecuencia de las polémicas que han protagonizado algunas figuras clave como Vybz Kartel o Buju Banton. Mientras tanto, el Afrobeat seguía inundado la escena musical global con un claro crecimiento exponencial.

Un año y medio después, vemos que Jamaica ha reculado en cuanto a su comportamiento en la relación con los ritmos africanos contemporáneos. Es más, se puede decir que la industria del Dancehall ha pensado que hay que mantener al público permanentemente conectado y, por esa razón, ha dejado de ver al Afrobeat como una amenaza para comenzar a aliarse con sus artistas, como ya se pudo ver hace un par de meses con Shenseea y Shatta Wale en su hit “The Way I Move”. Sin duda, hay una gran demanda de estos dos géneros, puesto que son sonidos que comparten una misma raíz, África.

Uno de los ejemplos más actuales es el de Akeju, un artista ghanés de origen nigeriano, quien creó un gran revuelo con su single “Kiss and Tell” en todo el planeta; demostrando la creciente influencia global de la música Afrobeat. Bien, pues ahora se ha publicado un nuevo remix de ese tema junto a Beenie Man, el auto proclamado Rey del Dancehall, que se estrenó hace poco más de una semana en una emisora de Hip hop de Nueva York por DJ Norie.

Akeju es uno de los pocos artistas africanos de los últimos tiempos que ha conseguido difundir sus canciones en las radios de música urbana en Estados Unidos. De hecho, ha habido unas cuantas colaboraciones entre representantes del Dancehall y el Afrobeat que no han conseguido sonar en este tipo de emisoras. Sin embargo, esto es una prueba más del pacto entre ambos géneros para seguir avanzando posiciones ante los estilos más comerciales mejor situados en el negocio de la música.



SOCA

El viejo debate entre el pueblo jamaicano y el de sus dirigentes respecto al trato de favor que se le está dando a la Soca ha vuelto a ser protagonista de la actualidad en la isla, ya que este pasado fin de semana este género no jamaicano ha conquistado las calles de Kingston en la Sunday’s Road March.

Con motivo de esa fiesta, el gobierno jamaicano se ha mostrado muy contento por el crecimiento del carnaval. De hecho, en sus declaraciones ha mostrado su felicidad tras comprobar que la Soca está cada día más presente. Os recordamos que este es el segundo año desde que el Ministerio de Turismo decidió asociarse con entidades del sector privado para impulsar el carnaval en Jamaica. En su día, este gesto levantó muchas protestas entre los artistas de Reggae / Dancehall al llevar años quejándose de la falta de ayuda por parte del gobierno, cuando la música popular en ese país es el principal motor del turismo.

Según los datos recopilados, durante la semana del 1 al 7 de abril (la semana antes de Road March), ha habido un aumento del 22.8% de turistas con respecto al mismo período del año pasado. Al parecer, Kingston estaba abarrotado para disfrutar del Carnaval con todos los hoteles y Air BnB reservados, con lo que esto conlleva para la economía de la ciudad.

Para finalizar, hay que mencionar que algunos artistas de Dancehall llevan ya un tiempo navegando en los mares de la Soca, a pesar del descontento del pueblo jamaicano con este estilo musical. Algunos nombres de esta última época que han jugado con estos sonidos podrían ser Razor B, Shenseea o Charly Blacks. No obstante, estos movimientos son debidos al interés de introducirse en el mercado de algunas de sus islas vecinas, como puedan ser Trinidad y Tobago, Antigua y Barbuda o Barbados. Por otro lado, en esta otra parte del planeta no se está viviendo como un problema, incluso los selectores de Dancehall están dando cada vez más protagonismo a la Soca en sus tracklists y, por consiguiente, dejando menos espacio para los artistas jamaicanos.



lunes, 11 de marzo de 2019

Curiosidades del flamenco que tienes que conocer

En este artículo, hemos decidido recopilar algunas curiosidades del flamenco, sobre su origen, historia y datos relevantes con las que queremos que amplíes tus conocimientos sobre este arte ¿Preparado? ¿Preparada? Toma nota.

¿Por qué se llama flamenco?

Sobre la denominación de la palabra flamenco no hay unanimidad. Existen múltiples teorías que intentan explicar el origen de esta palabra, aunque digamos que ninguna de ellas está oficialmente aceptada como la correcta. Sin embargo, hay una que es la más difundida y es la que defiende Blas Infante en su libro ‘Orígenes de lo flamenco’.

En ella indica que la palabra flamenco deriva de la expresión andalusí ‘Fellah min gueir ard’, cuyo significado es ‘campesino sin tierra’. Se cree que este es el término que se usaba para aludir a los moriscos que fueron expulsados en España durante el reinado de los Reyes Católicos y que se mezclaron principalmente con los gitanos.

 
¿Cuál es el origen del flamenco?

El origen del flamenco sí está más claro y se ubica en Andalucía. Sus inicios se remontan al siglo XVIII, aunque es un arte con raíces de épocas anteriores, incluyendo elementos de danza y musicales de otras culturas anteriores y cuyo mestizaje dio lugar al nacimiento de este arte andaluz.

El flamenco surgió de un ambiente multicultural, en el que gitanos, judíos, árabes y cristianos mezclaron elementos de sus respectivas culturas con elementos tradicionales andaluces y el resultado fue una expresión artística que hoy traspasa fronteras.

¿Qué Influencias multiculturales tiene la música, el baile y el cante flamenco?

Aunque la cultura gitana es la que más ha aportado al desarrollo del flamenco, no ha sido la única, porque en la música, el cante y el baile flamenco se pueden apreciar otras influencias como la de los africanos que pasaban por Andalucía o los caribeños que llegaban a España.

¿Dónde apreciamos estas influencias multiculturales? Si nos fijamos en la música y el cante flamenco tiene influjos de los cantos populares y la música popular andaluza; los cantos gregorianos que se interpretaban en las sinagogas judías; ritmos africanos y sonidos árabes.

Las influencias africanas, indias y españolas se encuentran también en el baile flamenco que aglutina movimientos de los bailes tradicionales de España, las danzas típicas del continente africano y los bailes de la India, traídos por los gitanos que llegaron a Andalucía.

¿Por qué se utiliza un vestido con volantes? ¿Cuál es el origen del traje de flamenca?


Otra de las curiosidades del flamenco es conocer el origen que tiene la vestimenta que se utiliza en los espectáculos flamencos, sobre todo, al que se refiere a los vestidos que utilizan las mujeres.

Su origen se remonta finales del siglo XIX y principios del XX y también está vinculado con la cultura gitana. Las mujeres de los tratantes de ganado, muchas de etnia gitana, asistían a estas ferias con sus trajes de faena, batas con volantes y delantal.

Este vestido fue copiado por otras mujeres y empezó a usarse como atuendo para las ferias de baile flamenco, convirtiéndose finalmente en el traje oficial de las bailaoras de flamenco.

¿Qué instrumentos de percusión se usan en el flamenco?

Aunque en su origen el flamenco era sólo cante, con el tiempo fue introduciendo otros elementos como el baile o la guitarra. Aunque la guitarra es el instrumento rey del flamenco, no es el único que acompaña a este género artístico.


Igual te sorprende saber que el zapato que utilizan los bailaores está considerado como un instrumento más de percusión, ya que el sonido que hace el bailaor o bailaora hace que el taconeo sea un ritmo más en la interpretación de un palo flamenco.

Las castañuelas es otro instrumento de percusión que se usa para muchos palos flamencos como son los bailes de la familia de los fandangos, las sevillanas o, incluso, las seguiriyas, la soleá, la caña, la guajira o los caracoles.

La bailaora Camen Amaya contribuyó a popularizar el uso de las castañuelas en el flamenco, gracias al dominio y el sentido rítmico que tenía.

Y otro de los instrumentos que hoy en día es identificativo de este arte es el cajón flamenco. Este instrumento es de origen peruano y Paco de Lucía lo incorporó en 1977, tras conocerlo en una gira por Latinoamérica.

¿Qué es el duende flamenco?

Si hay algo que caracteriza al flamenco es la carga emocional que imprimen sus artistas durante la actuación, ya sea en el cante, como en el baile o en la interpretación del guitarrista. Un espectáculo flamenco es puro sentimiento, de ahí que ver una actuación en directo sea una experiencia que cuesta describir con palabras.

Es ese talento especial que tienen estos artistas, lo que se asocia al duende flamenco, una expresión que hace referencia a esa pasión que el cantaor, bailaor o guitarrista convierte en arte sobre el escenario.

¿Por qué se baila sobre un suelo de madera? 

Se llama ‘tablao’ a la tarima sobre la que los artistas flamencos actúan, un suelo que es de madera para proteger las articulaciones de la persona que baila y, además, tener una buena calidad de sonido.

¿Qué es un cuadro flamenco?


Cuando hablamos de cuadro flamenco no nos referimos a una obra de pintura, sino al conjunto de artista que participan y hacen posible el espectáculo flamenco. Generalmente, el cuadro flamenco lo componen bailaores, cantaores y guitarristas, aunque en muchos shows también están acompañados de palmeros y músicos que tocan el cajón flamenco.

¿Qué son los palos flamencos?

Los palos del flamenco son los distintos estilos de cante y baile flamenco. Se podría decir que cada uno de ellos expresa un tipo de sentimiento diferente. El cante jondo o los cantes grandes expresan sentimientos dolorosos y profundos. Los cantes fiesteros expresan alegría, sensualidad y pasión.

Como ya hemos dicho, este arte es puro sentimiento, algo que se aprecia incluso en las letras de las canciones, que hacen referencia a la angustia, la soledad, el dolor, el amor, el desamor, la alegría y la pasión. Incluso, hay palos flamencos que llevan el nombre de estos sentimientos, como es el caso de la alegría o la soleá.

Los pioneros del flamenco

Otras de las curiosidades del flamenco que saber quiénes fueron los pioneros en este arte, esos hombres y mujeres que se iniciaron en las diferentes facetas artísticas que tiene este arte.


A Tío Luis de la Juliana, un aguador jerezano que vivió en el siglo XVIII, se le reconoce como el más antiguo de los cantaores andaluces. Tenía la particularidad de ser un cantaor polifacético, algo que le permitió interpretar varios de los primeros palos flamencos que existieron como seguiriyas, soleares, tonás o tangos.

Antonio de Torres Jurado, conocido como el ‘Padre de la guitarra’, fue un luthier almeriense y está considerado como el inventor de la guitarra actual, tanto flamenca como clásica. Y como guitarrista más próximo al flamenco, el nombre más antiguo asociado a este arte es el de Francisco Rodríguez Murciano, conocido en el mundo artístico como ‘El Murciano’.

A Carmen Dauset Moreno se le reconoce como la primera bailaora conocida en el mundo con el nombre artístico de Carmencita. Esta bailaora gitana era de Almería, aunque muchos creían que era de Sevilla, de ahí que los periódicos de la época hacían referencia a ella como ‘La Perla Sevillana’.

Conocer estos datos y curiosidades del flamenco ayudan a apreciar aún más esta expresión artística que hoy en día tiene reconocimiento internacional. El flamenco es un arte con historia y, sobre todo, mucho sentimiento.

lunes, 25 de febrero de 2019

La rumba cubana: el ritmo ‘esclavo’ que conquistó la humanidad


Siglo XVIII. Esclavos en barracas se mueven endiabladamente a golpe de tambor. Siglo XXI, en un solar de La Habana, cuerpos se desarman al mismo ritmo. La rumba cubana trepó por la sociedad hasta convertirse en Patrimonio Inmaterial de la Humanidad.

Todo comenzó cuando los africanos, traídos a la fuerza a Cuba, donde se ocupaban del corte de caña, descansaban en las barracas. De repente, un hombre y una mujer se levantaban al sonido de un tambor.

“Es música completamente profana”, sostiene el musicólogo Helio Orovio en su diccionario de la Música Cubana. 

En efecto, la rumba cubana fue inicialmente un tributo a las deidades africanas.

Abolida la esclavitud (1886), este ritmo saltó de las barracas a los solares, los bajos de las mansiones donde todavía hoy es posible ver a los cubanos bailando como poseídos por los orishas de sus ancestros.

Cuando no hay tumbadoras (tambores) ni claves (alargados cilindros de madera), un cubano recrea el sonido de la rumba con un cajón de madera y cucharas metálicas.

“Creo que toda la música cubana está influenciada por la rumba, porque inclusive los instrumentos, la conga, la tumbadora, que figura en el son” fueron creados para la rumba, y no al revés, dijo a la AFP, Amadito Valdés, percusionista del Buena Vista Social Club, el afamado proyecto musical. 

De los solares habaneros, la rumba se fue deslizando hasta los salones más prestigiosos, donde se fundió con la guaracha, la conga, el mambo y el cha cha chá.

Pero ante todo la rumba es una fiesta que se improvisa, como en sus orígenes. “Se formó un rumbón”, suelen decir los cubanos cuando suenan los primeros golpes de tambor.

El ritmo “va en la sangre”, y cubano que no “tiene de congo, tiene de carabalí”, se oye decir con frecuencia a los cubanos cuando presumen de su gracia natural para el baile, para la rumba.

Imán para los turistas, la rumba puede prenderse en cualquier momento y lugar. El rumbero profesional incita al baile con increíbles quiebres de cintura, ante lo cual la mujer responde con el movimiento desenfrenado de caderas y hombros. Un rito que también es erótico.

Algunos especialistas consideran la rumba una familia de ritmos que incluye el yambú, la columbia y el gaguancó.

“La rumba es la raíz de la música cubana”, sostiene Valdés. Cuando la UNESCO decidió considerarla Patrimonio Inmaterial de la Humanidad, apenas estaba haciendo justicia, agrega.

lunes, 7 de enero de 2019

Estos 5 consejos de respiración transformarán tu danza

Si un profesor o un coreógrafo ha comentado alguna vez que tu baile parece rígido, el problema podría ser que no estás respirando de manera efectiva. "Cuando los bailarines no respiran, sus hombros están levantados y no hay amplitud en sus movimientos. Empieza a parecer como si solo estuviesen esperando a hacer el siguiente paso", dice Maria Bai, directora artística de Central Park Dance en Nueva York.

Puede parecer una obviedad, por supuesto que no te puedes mover sin respirar. Pero los bailarines principiantes suelen contener la respiración porque están muy concentrados en aprender la coreografía, dice Sarah Skaggs, directora de danza en Dickinson College. Incluso los bailarines avanzados pueden beneficiarse de centrarse más en su respiración. "A veces prestan tanta atención a lo que hacen sus extremidades que se olvidan de los pulmones, el tórax, el tronco. La respiración es lo último en lo que están pensando, pero en realidad debería ser lo primero", dice Skaggs. Cuanto más integrada esté su respiración, más relajado y presente te sentirás.

Practicar la integración de la respiración


Aprender a conectar la respiración con el movimiento comienza antes de que incluso empieces a abordar la frase musical. Lauren Sanford, directora de jazz, lírico y contemporáneo en Image Studio of Dance en Washington, incorpora las contracciones de Graham en su calentamiento para que sus estudiantes puedan sentir la relación entre la respiración y el movimiento. También les hace tumbar en el suelo, respirar hondo, lento e imaginar que están enviando esa respiración a diferentes partes de sus cuerpos. Esto puede ayudar a los bailarines a pensar en la respiración como una acción que involucra a todo el cuerpo, no solo el pecho y los pulmones.

Bai sugiere que los bailarines practiquen yoga para trabajar en el control de la respiración. "El yoga te hace concentrarte conscientemente en tu respiración, y eventualmente eso se convierte en un patrón que puedes encontrar cuando estás bailando", dice ella. De manera similar, Lindy Fines, directora artística de GREYZONE e instructora certificada de Pilates, con sede en la ciudad de Nueva York, encuentra que el Pilates se focaliza en la coordinación de la respiración con cada movimiento y esto puede ayudar a los bailarines a respirar de manera integral y pueden usar el inhala-exhala para facilitar tipos específicos de movimiento.

Prográmala estratégicamente


Incluso con mucha práctica, las coreografías difíciles o desconocidas pueden hacer que luches por integrar la respiración. Si este es el caso, intenta elegir puntos específicos en una frase donde respirarás. "Cuando estás haciendo un adagio, port de bras o vals, hay lugares para inhalar y elongar", dice Bai. "Es más difícil en frases rápidas. En esas situaciones, las transiciones son donde puedes encontrar la respiración".

Acostúmbrate a la respiración fuerte


Bailar a veces te dejará sin aliento. En lugar de luchar contra esto, aprende a trabajar con ello. No trates de ocultar el hecho de que estás respirando pesadamente, dice Skaggs; solo hace que sea más difícil recuperar y traer más oxígeno. "Los bailarines tienen que aprender a respirar profundamente y continuar sin colapsar. Si estás tranquilo al respecto, puedes ir más lejos", dice. Recomienda entrenarse con actividades como correr, andar en bicicleta y nadar para acostumbrarse a respirar pesadamente y desarrollar su resistencia cardiorrespiratoria.

Acentúa tu movimiento


Usar respiraciones intencionales y audibles también puede ser una opción estética. "La respiración agrega dinámica y textura a tu baile. Puede ayudarte a sentir la diferencia entre lo áspero y suave, el staccato y el sostenido", dice Sanford. Trata de usar la respiración para acentuar un movimiento brusco, o para alargar una extensión.

Cuando bailas una coreografía familiar, puedes insertar estas respiraciones intencionales de forma espontánea para ver cómo pueden cambiar tu ejecución de la frase. También puedes coreografiar la respiracón, pero ten cuidado de no exagerar. "Veo muchos respiros excesivos en las competiciones. Si respiras con fuerza todo el tiempo, el movimiento se ve robótico", dice Sanford.

Respira como un grupo


Ser consciente de tu respiración también es una forma comúnmente olvidada de conectarse con tus compañeros artistas, especialmente en las secciones al unísono. "Es realmente difícil moverse exactamente de la misma manera que otra persona. Pero si se combina con la respiración, su iniciación y seguimiento serán los mismos", dice Sanford. "Me encanta cuando puedo escuchar a un gran grupo de bailarines respirar juntos. Me pone la piel de gallina".

lunes, 24 de diciembre de 2018

Los Musicales de esta Navidad 2018 en Madrid

Billy Elliot, el musical
Del 5 de octubre de 2017 al 28 de abril de 2019.
Teatro Nuevo Alcalá

Billy Elliot, el musical se ha convertido en el acontecimiento de la temporada en Madrid, reconocido como el musical más emocionante. ha superado los 250.000 espectadores desde su estreno.

Con un elenco adulto de lujo, encabezado por Natalia Millán, Carlos Hipólito y el extraordinario elenco infantil formado en la Escuela Billy Elliot Scaena. Incluyendo la exquisita banda sonora compuesta por Elton John, con increíbles coreografías, una puesta en escena espectacular y una historia emocionante, Billy Elliot ofrece una experiencia teatral única y extraordinaria que ha conquistado los corazones de millones de espectadores en todo el mundo. Dadas las características de su extraordinaria puesta en escena, este musical sólo podrá disfrutarse en Madrid.

SINOPSIS
Localizado en una ciudad al norte de Inglaterra, en plena huelga minera de 1984/85, Billy Elliot narra la lucha de un adolescente en contra del mundo para hacer realidad sus sueños. El espectador acompaña a Billy en su viaje desde un ring de boxeo a unas clases de ballet, en las que descubre una pasión por el baile que devolverá la unión a su familia, inspirará a su comunidad y cambiará su vida para siempre.

Espectáculo recomendado para todos los públicos.

La Llamada
Del 9 de septiembre de 2018 al 28 de abril de 2019.
Teatro Lara

La llamada es un musical salido de las mentes de Javier Calvo y Javier Ambrossi. Comenzó siendo representada en la sala OFF del Lara y ahora conquista el escenario principal del teatro y el corazón de todos aquellos espectadores que ya la han visto. Un musical ya calificado de culto por la revista ICON que se ha convertido en todo un fenómeno.

El musical cuenta con 11 premios Broadway World, incluido Mejor Actriz, Mejor Dirección y Mejor Musical; también es Mejor Montaje del Año según los lectores de El País; tiene un Fotogramas de Plata – a la Mejor Actriz de Teatro; y Premio Libertad Teatro 2015 avalan también el espectáculo.

SINOPSIS

Bernarda, una monja recién llegada, quiere salvar el campamento con su canción “Viviremos firmes en la fe”. Milagros, una novicia con dudas, recuerda lo mucho que le gustaba Presuntos Implicados. Y María y Susana, dos adolescentes castigadas, tienen un grupo que se llama Suma Latina. Pero desde que Dios se le aparece a María cada noche, todo está cambiando. Y es que a Dios le encanta Whitney Houston. La Llamada es un musical sobre la fe, con una banda de rock en directo y canciones originales.

El Rey León
Del 28 de agosto de 2018 al 24 de febrero de 2019.
Teatro Lope de Vega

El Rey León es el musical que conmueve al mundo. Este espectáculo comienza su 8ª temporada de éxito ininterrumpido en Madrid, y ha batido todos los récords desde su estreno en 2011. Más de 2.200.000 de espectadores y más de 1.600 representaciones con llenos diarios, lo han convertido en el musical que más tiempo ha permanecido en cartel en Madrid de toda la historia. Producido por Stage Entertainment, El Rey León es la mayor producción musical jamás representada en España.

SINOPSIS

Ver El Rey León es vivir una experiencia única.

Espectacularidad. Un musical que te dejará sin palabras gracias a la sorprendente puesta en escena de una de las historias más conmovedoras de todos los tiempos.

Belleza. Toda una lección de vida que se ha convertido en un hito dentro del mundo del espectáculo, al fusionar las más sofisticadas disciplinas de las artes escénicas africanas, asiáticas y occidentales, con una banda sonora tan excepcional como inolvidable.
Emoción. Más de 80 millones espectadores en todo el mundo ya se han adentrado en este universo de valores, creatividad, ritmo y color que te atrapa de principio a fin.

Anastasia, el musical
Del 3 de octubre de 2018 al 3 de febrero de 2019.
Teatro Coliseum

El musical Anastasia se estrena en Madrid, siendo así la primera ciudad europea en tener en cartelera el espectáculo. The Wall Street Journal, The New York Times o Variety, entre otros medios, han aplaudido la calidad de esta gran producción.

SINOPSIS

Anastasia nos transporta desde el crepúsculo del Imperio ruso hasta la euforia de París en los años veinte, cuando una joven se propone descubrir su misterioso pasado. La joven se embarca así en una gran aventura para encontrar un hogar, el amor y su familia. El musical está inspirado en la película de animación estrenada en 1997 y que cuenta con temas tan conocidos como Once Upon a December o Journey to the Past’, que serán interpretados también en el musical. Esta historia, a su vez, se basa en la leyenda que cuenta cómo la Gran Duquesa Anastasia Nikolayevna logró escapar de la ejecución de su familia.

El médico, el musical
Del 5 de octubre de 2018 al 14 de febrero de 2019.
Teatro Nuevo Apolo

Llega a Madrid la espectacular puesta en escena del musical basado en el best-seller mundial El médico de Noah Gordon. Este musical se ha creado y producido íntegramente en España, y se trata de un proyecto muy ambicioso, puesto que cuenta con 33 actores en escena y 20 músicos en directo, convirtiéndose en la orquesta más grande del teatro musical español.

SINOPSIS

Rob J. Cole, un huérfano que es acogido como aprendiz por un pícaro cirujano-barbero con el que recorrerá la Inglaterra del siglo XI, abriéndole los ojos al mundo y despertando la curiosidad del pequeño. Cuando, ya con 19 años, Rob J. Cole descubre que existe una medicina más allá de las curas improvisadas del barbero, decide viajar a Persia para estudiar con el médico más importante de la época, Avicena. Por el camino, descubrirá un mundo muy distinto a Inglaterra, llegará a Persia, se encontrará con otros jóvenes que comparten su vocación y conocerá al mismísimo Sha. Pero antes de que el poder le muestre su cara más oscura, Rob conoce a Mary, una joven escocesa que viaja en la caravana con la que cruza el desierto y por quien se ve obligado a elegir entre su vocación y el amor. Sin embargo, Rob y Mary saben que nuestro destino, al final, está escrito en las estrellas.

West Side Story. El Musical
A partir del 3 de octubre de 2018.
Teatro Calderón

Se estrena por primera vez en España la versión original íntegra de West Side Story, de la mano de SOM Produce, productora de Billy Elliot, Priscilla o Cabaret, y coincidiendo con el Centenario de Leonard Bernstein. Ésta es la versión con la que este musical mítico debutó en el Winter Garden Theatre (Broadway, 1957).

Éste es uno de los musicales más importantes y representativos del teatro universal. La partitura es de Leonard Bernstein y Stephen Sondheim, reconocida como una de las mejores en la historia de los musicales. El texto de Arthur Laurens continúa siendo tan actual como el primer día y las coreografías originales de Jerome Robbins ocupan un lugar de honor en la leyenda del baile contemporáneo.

SINOPSIS

En West Side Story, Arthur Laurens transporta el Romeo y Julieta de Shakespeare a la ciudad de Nueva York, en donde dos jóvenes enamorados se ven atrapados por el enfrentamiento entre dos bandas callejeras, los “Americanos” Jets y los Puertorriqueños Sharks. Su lucha por sobrevivir en un ambiente de odio, violencia y prejuicios se transforma en una de las historias más emocionantes, desgarradoras, bellas y relevantes del teatro musical.

La Bella y la Bestia, el musical
Del 12 de octubre de 2018 al 27 de enero de 2019.
Teatro Maravillas

Una versión libre del cuento original de Bella y Bestia: El Musical. de Jeanne-Marie Leprince de Beaumont que recoge elementos de las adaptaciones cinematográficas más famosas para crear una historia tan emocionante como divertida para todos los públicos. Una carta de amor al poder transformador de los cuentos con 7 canciones originales, humor para toda la familia, proyecciones audiovisuales y una cuidada puesta en escena con una caracterización y vestuario que sorprenderán a aquellos que estén preparados para recibir otra visión del clásico.

SINOPSIS

Bella es la única hija del librero del pueblo, deseosa de vivir aventuras como las que lee en sus cuentos favoritos y que ignora a su pretendiente Don, el galán trovador. Un día, su padre se pierde en el bosque mientras hace un encargo y termina en el castillo de la Bestia. Por arrancar una rosa de su jardín, que prometió llevarle a Bella, la criatura se enfada y condena a su padre a vivir esclavizado con él. Bella se siente culpable y decide tomar su lugar para vivir junto a la Bestia y a sus sirvientes, que también han sido transformados: Limón, el mayordomo cínico y bocazas; Goldie, la cocinera que se come siempre su propia comida; y Furio, el limpiador del castillo, perfeccionista e histérico. Lo que no sabe Bella es que no todo es lo que parece, y debajo de esa actitud amenazante y grotesca de la Bestia se esconde un alma afín a ella.

El jovencito Frankenstein. El Musical
Del 10 de noviembre de 2018 al 2 de febrero de 2019.
Teatro de la Luz Philips Gran Vía

Tras alcanzar un gran éxito en Broadway y el West End, llega El jovencito Frankenstein, comedia musical de Mel Brooks. El espectáculo llega a Madrid coincidiendo con el segundo centenario de la obra Frankenstein, publicada el 1 de enero de 1818. La película de Mel Brooks es un homenaje a las adaptaciones cinematográficas de la novela de Mary Shelley, ‘Frankenstein.

Esta comedia musical está producida por LetsGo Company, que tras el éxito de ‘Dirty Dancing’, la saga ‘The Hole’ y ‘La Familia Addams’ continúa su puesta en escena con este show terroríficamente divertido. Para trasladarlo a las tablas del teatro, confía una vez más en la dirección de Esteve Ferrer, como ya lo hizo con ‘La Familia Addams’.

SINOPSIS

Después de heredar un castillo en Transilvania, el Dr. Frederick Frankenstein (nieto del famoso Víctor Frankenstein) tratará de continuar con el legado de su abuelo intentando dar vida a un nuevo ser. Gracias a la ayuda del jorobado Igor, su exuberante asistente Inga y su necesitada prometida, Elizabeth, el experimento del Dr. Frankenstein será todo un éxito. Un éxito de monstruosas consecuencias.

La Fuerza del Destino: Homenaje a Mecano
Del 14 de septiembre de 2018 al 8 de febrero de 2019.
Gran Teatro Bankia Príncipe Pío

La fuerza del destino es un espectáculo creado por músicos, cantantes y bailarines de los musicales de Nacho Cano, que nos transporta a un trayecto en metro, donde las paradas se convierten en canciones de Mecano.

SINOPSIS

Un viaje por la banda sonora de nuestras vidas. El formato combina la música en directo, la danza y la interpretación de los personajes que dan vida a estas canciones; todo ello apoyado por un gran montaje audiovisual. Pop, rock, rumba, salsa, flamenco, soul o jazz son el gran atractivo de este espectáculo para todos los públicos.

El director escénico, Hansel Cereza (La Fura dels Bahus, Cirque du Soleil, Ballet Nacional) ha participado en este montaje que lleva más de cinco años girando por los escenarios españoles.

Adaptación reducida del espectáculo original.

Chicago: Cine Inmersivo
Del 28 de enero de 2018 al 28 de diciembre de 2018.
Gran Teatro Bankia Príncipe Pío

Cine Inmersivo, la nueva versión del séptimo arte que arrasa en Estados Unidos y Reino Unido llega a España con Chicago: Cine inmersivo.

Un espectáculo donde los números son representados simultáneamente en la pantalla y en directo gracias 17 actores que conseguirán la sensación única de estar en en el centro de la historia. Una forma única de ver esta película ganadora de trece premios Óscar y de ocho Globos de Oro.

SINOPSIS

El teatro se transformará en el enigmático ambiente del Chicago de los años 20, para recrear en vivo la oscarizada película Chciago dirigida por Rob Marshall e interpretada por Richard Gere, Renée Zellweger y Catherine Zeta-Jones. Los números musicales serán interpretados simultáneamente en pantalla y en directo. Una sensación única y mágica. Una experiencia “cine-teatral” que no te puedes perder. ​

Los números musicales serán interpretados simultáneamente en pantalla y en directo.

Peter Pan, el musical
Del 13 de octubre de 2018 al 26 de enero de 2019.
Teatro Maravillas

Peter Pan, el Musical nos sumerge en un mundo, donde fantasía y realidad nos transportan al país de los sueños, tanto a niños como a mayores.

SINOPSIS

El musical narra las aventuras en el País de Nunca Jamás de Peter Pan, su compañera Campanilla, su amiga Wendy y los Niños Perdidos, en su lucha contra el malvado pirata Capitán Garfio.

Efectivamente, Peter Pan es un regalo maravilloso donde disfrutar de una puesta en escena con casi 30 personajes, números acrobáticos, música, canciones en directo, bailes y un sinfín de sorpresas que va más allá de lo teatral para convertirse en una gran fiesta llena de emociones; posibilitando que niños y adultos compartan el placer de una historia sofisticada y traviesa.

“Peter Pan es un gran regalo que eleva al espectador a un lugar extraordinario lleno de aventuras y magia ¡Mientras la obra de Peter esté en cartel, la siguiente mejor se encuentra muy por debajo de ella!”, Mark Twain.

33, el musical
Del 22 de noviembre de 2018 al 27 de enero de 2019.
Espacio 33

33, el musical es una creación de Toño Casado para ofrecer una nueva mirada hacia la figura de Jesucristo y para el que se ha tenido que construir un nuevo espacio, el “Espacio 33”, que pretende romper con todo lo establecido en España hasta el momento en el teatro musical.

SINOPSIS

A pesar de los consejos de su madre, Jesús, un carpintero de Nazaret, decide ir a Jerusalén impulsado por la ilusión de llevar la mejor de las noticias. Acompañado de un grupo de seguidores y esquivando a un demonio sofisticado y peligrosamente seductor, llega a una ciudad decadente que le recibe como una auténtica revolución. Su mensaje y sus comportamientos provocan tanto la admiración como el mayor de los rechazos. Y eso le irá llevando a un desenlace terrible que terminará con toda su utopía en una oscura tragedia. Pero ¿Y si la historia no se acabase aquí…?

33, el musical es la historia de un hombre que cambió el transcurso de la humanidad. Un musical que nos cuenta los tres últimos años de la vida de Jesús y de cómo cambió el mundo con un mensaje de amor.


viernes, 14 de diciembre de 2018

Carlos Acosta: la increíble historia del futbolista bailarín que no quería bailar

Bailando break dance callejero y soñando con ser futbolista en un barrio marginal de La Habana, Cuba, llamado Los Pinos: así pasó su infancia Carlos Acosta, el primer bailarín negro en interpretar a un Romeo y cuya historia cuenta Icíar Bollaín en «Yuli». Pero su padre –un camionero de origen esclavo– tenía otros planes para él. Para que huyera de la violencia y los trapicheos, le obligó a ir a la escuela elemental de ballet con apenas nueve años. Dos autobuses y un madrugón parecían ser la única consecuencia que le traería este nuevo «hobbie»; sin embargo, Acosta comenzó a meterse en peleas con aquellos que lo llamaban «maricón» y dejó de ir a clase. Las continuas faltas y alguna que otra indisciplina hicieron que el cubano fuese expulsado del colegio, algo que a su padre no le sentó bien. La expulsión desencadenó una fuerte pelea padre-hijo que terminó con una paliza a un Carlos Acosta que fue internado en una escuela de artes en la provincia de Pinar del Río.


Carlos Acosta ya sabía lo que era sufrir la división racial en su propia familia, y lo seguiría viendo en las diferentes compañías en las que trabajaría. La parte materna era blanca; es decir, podían ir a la playa de Varadero y tenían pasaporte. Sin embargo, ni él ni su hermana Marilín tenían acceso a esos privilegios por ser hijos de Pedro Acosta, un hombre de carácter difícil y orgulloso de su origen esclavo que les inculcó que por su condición de negros y pobres tendrían que esforzarse y luchar el triple que los demás. Y así fue. Por «suerte» para Acosta, el estar alejado de su familia le dio la rabia y la pasión que necesitó para entregarse en cuerpo y alma a la danza. Cada miércoles, los alumnos de la academia recibían la visita de sus familiares. Le traían comida y materiales para las clases; sin embargo, Acosta siempre pasaba el día solo. A él no iba a verle nadie.

Este bailarín cubano fue el encargado de romper con la idea de que los bailarines de ballet tienen que ser «príncipes blancos y rubios»; es decir, que lo que importa es la capacidad y el esfuerzo, no la raza. Con apenas 16 años, ganó la medalla de oro en el Grand Prix de Lausanne. Dos años después pasó a formar parte del English National Ballet, contando con el apoyo del gobierno cubano. «Nunca tuvo demasiado problema para salir del país», comentó Icíar Bollaín durante el rodaje en el Teatro del Canal. También estuvo en el Ballet Nacional de Cuba, pero, al no sentirse valorado, decidió cambiar de compañía y estuvo en el Houston Ballet como figura principal o en el American Ballet Theatre. Hasta 1998, cuando recibió una prometedora llamada de Anthony Dowell, entonces director artístico del Royal Ballet.

El exbailarín quería que se incorporase a su equipo y lo hizo. Allí desarrolló la parte más destacada de su carrera, y fue en el Royal Ballet donde consiguió protagonizar «Romeo y Julieta», un papel que había sido reservado hasta entonces para bailarines blancos y con el que conquistó al público. Trabajó con ellos como miembro permanente hasta 2003, año en el que pasó a ser actor principal invitado. Esta posición, además de reducir su comportamiento con el Royal Ballet, le permitió aumentar sus apariciones internacionales. Aun así, Acosta continuó su relación con la compañía hasta noviembre 2015. Fue entonces cuando se despidió de esta etapa con una coreografía propia de Carmen, que bailó con la española Tamara Rojo, en el escenario del Royal Opera House.


Ahora, Acosta vive con su esposa y sus tres hijas en una hermosa casa de Siboney. No muy lejos, en La Habana, tiene su propia academia de danza, donde forma a los futuros miembros de su agrupación. Lo hace tras haberse «reconciliado» con su pasado al escribir «No way home» (2006), el libro en el que reveló las idas y venidas de su increíble carrera. Una novela difícil de escribir, que inspiró al guionista Paul Laverty para escribir el guion de «Yuli», la película que dirige Icíar Bollaín.

La directora define esta película, producida por Morena Films y BBC, como un filme «opuesto a Billy Elliot», ya que las historias que se muestran en la gran pantalla suelen contar la vida de un niño que quiere bailar y al que su familia no le deja, pero aquí es al revés. «Su biografía recorre los últimos 30 años de la isla, cómo parte de su familia se fue a Miami y la otra se quedó, o cómo volvió con el 'periodo especial'», recuerda. Pero no es un biopic al uso. «La historia está rota, dividida en dos mundos. En uno está Carlos Acosta en el presente en La Habana ensayando con su compañía un espectáculo –que comparte nombre con la película– en el que recorre su vida coreografiada por María Rovira y que ha sido inventada para la película. Pero es en ese teatro en el que él está bailando esos momentos de su vida, cuando se va al pasado y nos vamos a la ficción», cuenta.

Cuba tiene un papel importante en «Yuli». Sin embargo, se trata de una historia personal de alguien que tuvo una relación buena con su país. «Se benefició de las oportunidades que se les daba a los artistas de crecer, aun viniendo de barrios humildes. Y él le devolvió el favor al retornar a La Habana primero con el Royal Ballet y luego creando su propia compañía», matiza.

Con acento español

Bollaín rodó «Yuli» en La Habana, Londres y Madrid. La directora se muestra meticulosa en el rodaje. Busca la perfección en cada plano así que no duda en repetir la escena una y otra vez, exigiendo un esfuerzo titánico a Kevin Martínez, el encargado de interpretar a Carlos Acosta en su juventud.

Para esta película, Icíar Bollaín se ha rodeado de profesionales españoles para asegurarse de que hasta el más mínimo detalle de esta historia esté cuidado. Álex Catalán, que dio luz a la desolación de los últimos españoles en «1898: Los últimos de Filipinas» o que puso color a la transición española en «La isla mínima», se asegura de que reluzcan los saltos de las tres versiones de Carlos Acosta que veremos en el filme de la madrileña. Mientras que Alberto Iglesias, compositor de las bandas sonoras de películas como «Hable con ella» o «Julieta», ha hecho lo propio con la música.

Rompiendo barreras

Al igual que Carlos Acosta ha cambiado los prejuicios que existían en el ballet, Bollaín también ha hecho lo propio en el cine. La madrileña es una de las tres únicas mujeres que han ganado el Goya a la mejor dirección. Aún así, la representación femenina en el mundo cinematográfico no es el que le gustaría. «Cuándo yo estrené ‘Hola, ¿estás sola?’ hace 20 años, entramos en el cine más de 30 mujeres y pensamos que ya estaba solucionado, pero ha pasado el tiempo y no llegamos a ser más del 10%, entonces, ¿qué hacemos?», reflexionaba Bollaín sentaba en una butaca del Teatro Canal.