lunes, 18 de junio de 2018

Contemporáneo Contact

Para entender mejor este tipo de movimientos siempre es lo mejor remontarse a sus orígenes. Y esto nos va a llevar a hacia un hombre. Un bailarín. Su nombre es Steve Paxton.

Steve Paxton es conocido como el creador del Contact Improvisation. Este bailarín estadounidense pertenecía al campo de la danza moderna, y junto con otros bailarines comenzaron a investigar la danza como medio de comunicación por el contacto. Como una práctica para restaurar el lazo social roto y para demostrar que era posible comunicarse con el otro por medio del contacto, de la piel. Para demostrar que era posible que el otro recaudara información del estado de su compañero bailarín por el simple hecho de mantener un contacto continuo, fluido, del cual surgiera una “pequeña danza”. Con respecto a esto Paxton decía que “la piel es la mejor fuente de imágenes, ya que trabaja en todas las direcciones a la vez”.

Esto se fue gestando por allá, a mediado de los años sesenta, en Estados Unidos. De esos años de los cuales conocemos los movimientos políticos y sus consecuencias de rebelión. En la música, el apogeo del Rock´n Roll, y sus consecuencias. En lo social, fueron esos años de “Amor y Paz”, que todos conocemos. Pero ¿en la danza?. Pocos conocemos que en la danza también hubo rebeliones, y que un grupo de gente liderada por un hombre llamado Steve Paxton decidió también poner su granito de arena en los movimientos “rebeldes” de la época, y de lo cual surgió esta Danza de Improvisación en Contacto. De hecho, fusionaron sus conocimientos en danza moderna con técnicas de Aikido y Tai Chi Chuan. De ahí la opinión de muchos que observan bailar contact de que es mitad danza y mitad arte marcial.

Este grupo de gente trató hasta de quebrantar leyes naturales. Se rebeló contra nuestro gran Newton. Contra su Ley de Acción y Reacción. La esencia de su improvisación reside en descubrir que es posible superar esta tercera Ley de Newton descubriendo que para cada acción ejercida por un cuerpo existe no solo una reacción igual y opuesta en el otro cuerpo sino que para cada acción son posibles varias y diferentes reacciones iguales y opuestas. Entonces, cuando una manzana cayó sobre su cabeza, Isaac Newton se inspiró para describir las tres leyes del movimiento. Muchos años después un grupo de personas investigaría como se siente ¡ser la manzana!


Por eso es que podemos destacar cuatro elementos técnicos básicos en el Contact.: caídas, inversiones, giros y apoyos. Y en lo que se refieres a las bases perceptivas que son igual o más importantes: equilibrio, tacto y visión periférica.

Elementos técnicos característicos:

  • Los apoyos se basan en la recepción y donación de peso entre las zonas corporales más variadas.
  • Las caídas se describen como transferencias verticales de peso entre distintas zonas o del cuerpo del compañero al suelo; así, las caídas bien hechas transforman el momentum vertical en desplazamiento horizontal.
  • Los giros, en tanto movimientos continuos, permiten enlazar los distintos apoyos en torno al cuerpo del otro como eje.
  • En las inversiones se producen cambios de referencia postural con pérdida del contacto de los pies con el suelo.

Las bases perceptivas: 

  • El equilibrio implica un ajuste permanente de los receptores situados en el oído así como en las articulaciones. En este caso, a diferencia de otras técnicas de movimiento, el equilibrio es siempre relativo a la parte del cuerpo que soporta el peso, ya se trate del pie, del hombro, de la espalda o de la cabeza.
  • El tacto es uno de los sentidos claves que se utilizan en el Contact; "La piel es la mejor fuente de imágenes porque trabaja en todas las direcciones a la vez". Los bailarines utilizan el tacto para comunicar informaciones sobre su estado y el contacto con el suelo permite a cada pareja tomar conciencia del peso. Solo hay que respetar una regla: las manos no pueden utilizarse para establecer el contacto.
  • La visión periférica nos permite situarnos y reorientarnos constantemente respecto del exterior.

Para favorecer este funcionamiento perceptivo se incide en el interés de la relajación como un estado que ayuda a la adquisición de la plena conciencia, pues la tensión tiende a enmascarar la sensación.

Paxton se refiere a agujeros de conciencia -se podrían corresponder con las fases ciegas o pérdida de figuras descritas en otras actividades acrobáticas como momentos en los que se desvanece la conciencia, como si lo que ocurre fuera demasiado rápido para el procesamiento mental. Así, el espacio se atraviesa normalmente con la cabeza elevada y con impresiones visuales constantes; de hecho, la línea que marca el horizonte es la primera referencia para nuestra orientación y cuando las referencias visuales cambian demasiado rápido para que nuestra conciencia pueda comprender el cambio y adaptarse (como en las piruetas o los volteos), se producen agujeros de conciencia.

Es preciso tener en cuenta, además, que en el Contact los requerimientos perceptivos propios de la actividad acrobática -constante adaptación sensorial a los giros y a la inversión- se acentúan en la medida en que existe una total imprevisión respecto del movimiento que se va a realizar. En esto se diferencia precisamente el Contact de otras actividades acrobáticas de contacto, se desafía constantemente la orientación visual, direccional, de equilibrio y concerniente al lugar de la conciencia en el cuerpo.

Y aunque parezca muy fácil, libre y bonito, la mayoría de las veces el proceso de aprendizaje en el Contact es lento. ¿Porqué?. Los docentes de esta danza nos enfrentamos siempre a la misma piedra: el lento proceso de adaptación de las personas al CONTACTO FÍSICO y a la utilización del CUERPO DEL OTRO como medio físico para el propio movimiento.

Somos personas. Y como tales, estamos programados. Para No Tocar, para No Caer, para no Dejarnos Ser. La buena noticia es…que luego de superada esta piedra, la sensación es fenomenal, inexplicable. Y termino esta nota con palabras del propio Steve Paxton cuando en una entrevista le fue preguntado si el Contact era una práctica espiritual y que función tiene en la sociedad. He aquí su respuesta: “Toda danza es una práctica espiritual (debido a la conciencia momentánea). Es por esto que la iglesia ha expulsado la danza como arte religioso acreditado. Más allá de que sea o no una práctica espiritual, es un juego que requiere dos personas para ganar. Habiendo comenzado en centros urbanos intervino en la alterada vida física de los habitantes/prisioneros. Propagándose, llenó el vacío impuesto por la sociedad. La sociedad tiene la necesidad de influenciar el cuerpo físico de sus miembros. Desatado el nudo de regimentación y reglamentación, se libera un potencial antiguo, periférico, desconocido, impenetrable y familiar.

lunes, 11 de junio de 2018

La danza, un misterio que es el mismo Hombre

La Danza, como ninguna otra manifestación artística, está íntimamente ligada al Hombre. Es una prolongación del ser humano. Desde los mismos comienzos de la vida en la Tierra, el movimiento impulsó al cuerpo a deambular, e “inspiró” a aquellos hombres primitivos, en sus más lejanos anhelos, para comunicarse con los Dioses, que supuestamente le ayudarían a sobrepasar las penurias cotidianas y a alcanzar sueños y realidades. Por eso bailaban para ellos. Era la manera de hablarles, de llegar tan alto…

El tiempo ha pasado, millones de años nos separan de los inicios, y la Danza sigue impertérrita en su lugar privilegiado, de interlocutora de aquellas divinidades, como ninguna otra expresión humana. Captar ese instante de diálogo con lo extraterrenal no es tarea fácil. Es un segundo, un soplo fugaz, un relámpago que nos acerca al mismo misterio de la existencia y subsistencia de los seres que habitamos este planeta. En Cuba, desde mediados del pasado siglo, un grupo de seres (hombres y mujeres) liderados por Alicia, Fernando y Alberto, con continuadores cercanos como la propia Ramona y aquellos alumnos de las primeras generaciones, sembraron una semilla que da muchos frutos, manteniendo la tradición de formar interlocutores con los Dioses. Porque no hay dudas, los bailarines son los que más se les acercan, pues conocen los laberintos y las coordenadas para alcanzar ese sitial en las alturas y dialogar con ellos. ¿Quién duda que en ese momento supremo de bailar no estén también involucrados, ellos (los Dioses)?

La danza, como ninguna otra arte, respira en su propio seno con las demás. Música, teatro, literatura y artes plásticas… se involucran siempre como en un todo amalgamado en el tiempo. Pero, más allá del baile, se pone nuevamente de manifiesto la relación nutricia entre el arte danzario y la plástica, un fenómeno abarcador de dos expresiones de la cultura: la plasticidad del baile y la forma de su espacio sustentante, algo que ocurre en nuestro escenario cubano desde lejanos tiempos. Existe, desde el comienzo, una historia común porque la plástica es indisoluble de la danza y el ballet, es su “ropaje y su mundo”. Pero están también los artistas (pintores, dibujantes, escultores, fotógrafos, grabadores…) que la han hecho fibra de sus creaciones en algún instante de su historia. Por eso, en ocasión del 24. Encuentro y Concurso Internacional de Academias para la Enseñanza de Ballet se abrieron, al unísono con la escena, las cortinas de la exposición Homenaje, de los fotógrafos Eric Politzer (Estados Unidos) y Ramsés H. Batista (Cuba), en la que ofrecen sus maneras de estremecerse ante ese prodigio del movimiento transformado en arte.
ADRIAN SANCHEZ Foto Eric Politzer
Los invito a reflexionar a partir de estas imágenes, retratos, estampas, instantáneas, relámpagos fugaces, y tantos otros nombres que reproducen el momento preciso en que llegan a ser los danzantes, captados por la diestra mirada, el talento y prisma singular de estos artistas. Ellos seleccionaron a un grupo de bailarines hoy dentro del Ballet Nacional de Cuba, nacidos de esta Escuela Nacional de Ballet Fernando Alonso, semillas que brotan desde que un día las puertas se abrieron a la Danza en esta Isla del Caribe para no dejarla ir jamás. En ellos vibran todos los antecesores, las enseñanzas recibidas en este largo camino que alcanza un momento especial en estos Encuentros Internacionales de Academias para la Enseñanza del Ballet, que existen gracias a los fundadores y a los continuadores, para mostrar al mundo cuánto se puede hacer por el arte desde cualquier punto del planeta, cuando sobra espíritu, deseos de hacer, tesón y fuerza. Aquí yacen los frutos que regalan las semillas para seguir.

Atrapados por el mágico y lírico lente, más allá de la escena, vestidos de cotidianeidad, con ropa de ensayos, sin maquillaje, como hombres y mujeres del diario devenir humano, lejos de los mundos de hadas y príncipes, en su misma dimensión, ellos “hablan” con sus cuerpos el lenguaje misterioso de alcanzar el cielo con sus gestos, movimientos, anhelos y fuerza, acomodados siempre en diversos rincones del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso, porque con ellas se rindió homenaje a esta institución en su 180 aniversario. Unos se asemejan al viento: como huracán o suave brisa, otros a la poesía, hay quienes exhalan la ternura del vuelo de un ave, o la destreza del águila, o dibujan el contorno de un cisne, o se expresan como la lava del volcán hacia el cielo, o reposan cual estatuas de célebres artistas, en carne y hueso esta vez, o hasta imitando poses del animalario con toda la fuerza que puede caracterizarlos… Visten y desvisten recuerdos de la vida que bulle a su alrededor, como seres extraordinarios que convocan el tiempo en su decir. No hay magia alguna, hay arte, del bueno. Minutos, horas, días, años, vida, en una palabra, dedicada a esculpir la danza en sus cuerpos para enseñarnos a los mortales que todo es posible de alcanzar con esfuerzo y dedicación. Las instantáneas reproducen además sentimientos, porque ellos los conjugan en cada paso en que tienen que ser algo más que un hombre o mujer, para devenir haz de luz que encandila las miradas y nos hacen sentir/vivir en otra dimensión cuando se abren las cortinas a otros universos sobre las tablas. Pero ahora no hay cortinas, ni afeites, ni luces de color, candilejas, brillos, ni música… Son ellos mismos, ataviados con el gesto.
 
VIENGSAY VALDES Foto Ramses H. Batista

Los artistas del lente los acercan en un común existir, atrapando sueños, vistiendo emociones, regalando sorpresas, buscando las alturas, escarbando sentimientos para entregarlos hechos Danza, palabra mágica que nos reúne a todos los amantes, fervorosos admiradores, de esa suerte de aire que necesitamos para respirar/vivir. Saeta fugaz, como el movimiento, que no cesa, que seguimos hasta que llega a reposar en la diana. Y sin embargo, allí no encuentra el final, continúa su camino abrazada a esos Dioses de los que nunca se podrá desembarazar porque es inmortal, como ellos.

Autor: Toni Piñera

lunes, 4 de junio de 2018

Los 10 mejores consejos de Gaby Diaz para mejorar tu versatilidad en el baile

"So you think you can dance", ganadora de la temporada 12 (¡y ganadora de la 14ª temporada del All Star!) Gaby Diaz es una superpotencia del baile. Puede actuar con un nivel altísimo en cualquier estilo, desde el claqué hasta el jazz, pasando por el contemporáneo y el hip hop. ¿Quieres mejorar tu versatilidad en el baile? Díaz se tomó un descanso de los ensayos de Shaping Sound para darnos sus 10 mejores consejos para hacerlo.

Mantén tu mente abierta

No seas esclavo de las tendencias de baile. Tienes que estar dispuesto a probar cualquier cosa. "Los estilos que ves en Instagram pueden ser lo que consideras popular, pero hay un montón de excelentes estilos y excelentes profesores, así que mantén la mente abierta", dice Díaz.

Toma muchas clases

Esta es una obviedad: si quieres convertirte en un bailarín versátil, debes "tomar tantas clases en tantos estilos diferentes como puedas", dice Díaz.

Encuentra tu propio ritmo

"Sé fiel a ti mismo en todas las clases a las que vayas", dice Díaz. "Yo siempre estuve muy cohibida en las clases de ballet porque no era necesariamente como el tipo de bailarina clásica. Tan pronto como acepté quién era yo en esa clase, me pareció mucho más agradable".

No compararse con los demás

Cuando trabajas en un estilo desconocido, otros en tu clase probablemente estarán más avanzados que tú, pero no dejes que eso te desanime. "Inspírate con las personas que te rodean, en lugar de separarte pensando que no eres como ellos", dice Díaz.

Encuentra un nuevo puesto en el aula

"Solía ser obsesiva con mi sitio en la barra de ballet, y descubrí que estaba reviviendo la misma clase de ballet una y otra vez cuando estaba allí parada", dice Díaz. "¡Encuentra un nuevo sitio en el aula! Podría darte una nueva energía a tu baile".

Investiga en tu danza

En lugar de pasar horas mirando a tus bailarines contemporáneos favoritos en Instagram, busca estilos nuevos para ti. "Puedo tener una relación de amor-odio con Internet, pero definitivamente es una gran herramienta para poder explorar una gran cantidad de diferentes tipos de baile", dice Díaz.

Encuentra varios modelos

Es importante no solo tener un modelo versátil como Diaz, sino también encontrar modelos a seguir en cada estilo de baile. "Me gusta jugar al juego '¿Quién era su maestro?'", dice Díaz. "Si conozco a una bailarina que realmente amo, le pregunto quién era su maestra, y luego investigo a su maestra y sigo la cadena".

Dalo todo en cada clase

Nunca des menos del 100 por ciento, especialmente en clases que no son tu fuerte. "Una cosa es presentarse físicamente a la clase, pero concéntrate en ello como lo harías con un estilo que conoces y con el que te sientes cómodo", dice Díaz.

No te frustres

"No tienes que hacer todo perfecto en tu primera clase", dice Díaz. "El objetivo de la clase es aprender durante un período de tiempo. Siéntete bien con la sensación de incomodidad, porque así es como creces".

Simplemente divértete

No importa qué desafiante pueda ser aprender múltiples estilos, recuerda pasar un buen rato. "Siempre hazlo por amor", dice Díaz. "¡Simplemente divertiértete!" 

Escrito por: Gianluca Russo

lunes, 28 de mayo de 2018

Los increíbles beneficios de la zumba


¡Quítale lo aburrido a tu rutina de ejercicio y descubre todas las grandes ventajas que ofrece este divertido baile!

Si sientes que tu workout en el gimnasio o en tu casa se ha vuelto aburrido y te gustaría hacer algo con un poco más de movimiento ¡la zumba podría ser justo el ejercico que estabas buscando!

¿Sigues dudando? Te contamos todo lo que debes saber sobre este divertido baile ¡y los increíbles beneficios que le ofrece a quienes lo practican!

¿Qué es zumba?

Este famoso tipo de ejercicio es una disciplina originaria de Colombia que mezcla diferentes tipos de baile latinos como: bachata, samba, reggaeton y salsa.


Es una práctica muy divertida que incrementa tus niveles de energía instantáneamente ¡y te ayuda a hacer que tu cuerpo luzca más hot!

¿Cuáles son los beneficios de hacer zumba?

Existen muchas cosas positivas de practicar zumba, como mejorar tu condición física, reducir el estrés y hasta elevar el autoestima.

Enlistamos los principales beneficios de hacer zumba ¡aquí!

1. Es el baile que más grasa quema

¿Sabías que haciendo este ejercicio puedes llegar a quemar hasta 370 calorías en 45 minutos? Cada clase es diferente y la cantidad calórica que eliminas puede llegar a variar, pero todo dependerá de la intensidad del ritmo y el esfuerzo que realices.


2. Es terapéutica

Además de que esta práctica es una de las más divertidas, ya que el cuerpo se mantiene en constante movimiento. Hacer un ejercicio como este contribuye a mejorar la salud y el rendimiento emocional y cognitivo.

3. Tonifica tu cuerpo

Al hacer zumba, puedes llegar a tonificar varias partes de tu cuerpo, principalmente las piernas, muslos y glúteos. ¿La razón?

Esta técnica de baile implica el movimiento de casi todos los músculos, así que también podrás ver una mejoría muy notable en los brazos y espalda.


4. Perder peso

Cuando lo practicas diario entre 45 y 60 minutos, ¡puedes llegar a perder de 2 a 3 kg al mes!

5. Memoria, autoestima y felicidad

Estar en contacto con tu cuerpo siempre es la mejor forma de sentirte mejor. Practicar este deporte te obligará a mantener la concentración para poder recordar las rutinas de baile por lo que mejorará tu memoria y coordinación motriz.

Además, producirás más endorfinas, te sentirás más feliz , relajada ¡y sensual! Por lo que la practicar zumba es una gran forma de elevar tu seguirdad y estima propio.

lunes, 21 de mayo de 2018

Pole dance

Permítanme iniciar explicando cómo fue que esta actividad llegó a mi vida. Pole dance, Pole sport, Pole fitness, Pole exotic, Pole urbano, Sexy Pole y Pole art son algunos de los nombres que recibe esta disciplina que trabaja la fuerza, la resistencia, la elasticidad, el movimiento y la coordinación del cuerpo a través de un tubo vertical de acero, combinando el baile con la escena teatral; de ello me siento profundamente enamorada y puede que suene cursi, pero sí, lo reafirmo: enamorada.


Ya son varios los meses de práctica y aún recuerdo mi primer día de clase: las profesoras me recibieron muy amablemente, me cambié y empecé a realizar el calentamiento. Lo primero es el reconocimiento del tubo: lo sentí frío, extraño y muy liso. Luego vino la aplicación de los giros alrededor de él, aunque debo admitir que me dio mucha dificultad pues llevaba más de dos años sin hacer actividad física y tenía más peso del habitual; siempre he sido muy delgada por constitución, por algo me llaman “La flaca”, pero en esa época me llamaban “La exflaca” por los kilos de más, un apodo muy molesto y que evidencia que el cuerpo de las mujeres siempre está en la mira de todos, pero ¿qué les importa a otros si estoy flaca o gorda?

Bueno, pero rebobinando, todo esto del Pole dance empezó un día en el que me sentí motivada para hacer deporte; es importante mencionar que hacer ejercicio regular es beneficioso para la salud tanto física como psicológica, y eso era lo que yo necesitaba en ese momento, alivianar un poco mi cuerpo y mente; pero no sabía qué deporte empezar a practicar, entonces inicié con el gimnasio y no funcionó, era aburrido y monótono. Tiempo después vi un video en internet de una chica haciendo una rutina de Pole dance y me quedé con la boca abierta, literalmente, pues me pareció maravilloso y se me metió en la cabeza que eso era lo que yo quería hacer.

Busqué en qué lugares de mi ciudad se dictaban clases y encontré una academia que me permitió enamorarme mucho más de esta práctica del Pole dance. Entre las ventajas y los beneficios de este deporte, que cuenta con exigentes competencias locales, nacionales e internacionales, en las que el país ya tiene varios títulos, además de una Federación Colombiana de Pole Sport, se encuentran:

1. No hay una edad estándar para empezar a practicar, desde la persona más joven hasta la más adulta pueden hacer Pole dance, como ejemplo de ello está Emily Moskalenko, una niña ucraniana de ocho años que apareció en el show de talento rumano “Next Star”, en el año 2015; o Tomoko, una mujer de 70 años que practica Pole dance y deslumbró con sus habilidades en un programa italiano en 2016. 

2. Tanto hombres como mujeres pueden practicar Pole Dance, pero es una realidad que en su mayoría somos las mujeres las que más lo practicamos, debido a la feminización del deporte, la cual genera también que muchos hombres vean afectada su masculinidad en este tipo de actividades, trayendo como consecuencia su abstención a practicarlo.

3. No se requiere tener un cuerpo o peso específico, resulta un poco obvio, aunque a veces parece lo contrario. Tenemos cuerpos diferentes, pero sin categorizar, afirmo: todos y todas podemos practicarlo.

4. Cualquier condición física puede acercarse a este deporte. Aunque es importante entender que avanzamos a ritmos diferentes, así que no hay prisas; cada figura nueva es un reto personal.

5. Para practicar Pole dance es necesario usar poca ropa para facilitar la adhesión o fricción del cuerpo al tubo, además para no limitar el movimiento, pues la intención aquí no prima en querer provocar sino en llevar el cuerpo hasta su límite.

Entre otras características que se rescatan del Pole están su diversidad, transgresividad y versatilidad, las cuales me anclan a él: el Pole es liberador, permite el autoreconocimiento del cuerpo, el compartir con otros y otras; te reta, aumenta nuestra seguridad, requiere de disciplina y constancia, nos permite adoptar el estilo que queramos sin necesidad de cambiar la sensualidad por la acrobacia y viceversa. Además, ¿qué tiene de malo ser y sentirse sensual? Con el Pole eso es posible y desde ahí parten la mayoría de críticas que, en realidad, saben muy poco de lo que significa esta práctica, la cual requiere de mucha disciplina y esfuerzo.

Finalizo enfatizando que practicar Pole dance permite el desarrollo de muchas competencias para afrontar cualquier situación vital. En las mujeres incita a salir del espacio doméstico al espacio público, estimulando las relaciones personales y sociales; facilita la experimentación del placer corporal negado por tradiciones conservadoras y religiosas; además, permite un reconocimiento corporal, una aceptación y una relación más armónica con todos nuestros tipos de cuerpos. En síntesis, el Pole dance aporta al empoderamiento de las mujeres, por eso es políticamente correcto.

Hacer deporte y querer cuidarse, querer nuestros cuerpos, sin necesidad de buscar la validación masculina es un acto valioso de libertad. Así que no acepto los comentarios que denigran a las mujeres y a los hombres que practican Pole dance y sus variantes, que lo colocan en la categoría de lo vulgar. Yo no bailo en el tubo para llamar tu atención, no bailo en el tubo para tu disfrute sexual, no bailo en el tubo para sentirme validada por los demás: yo bailo por mí y para mí, porque el Pole dance no solo es un deporte, es arte.

Autora: Yesica Duque

lunes, 14 de mayo de 2018

Una historia visual de la salsa en Nueva York

La salsa es más que música. Un movimiento nacido en el extranjero y nutrido por las comunidades de inmigrantes en el corazón de la ciudad de Nueva York, el uptempo, la percusión y la música de trompetas combinada con ritmos latinos y afro-caribeños crean el primer género musical pan-latino que refleja la gente que lo hacía y bailaba a su ritmo.

"La salsa nunca fue realmente pura porque combinaba siempre sonidos diferentes. Lo llamaron salsa, pero artistas como Willie Colón, quien trabajó con Héctor Lavoe, hizo música para los puertorriqueños. Otros músicos se centraron en los sonidos cubanos", dijo el doctor Derrick León Washington, curador postdoctoral que desarrolló 'Rhythm & Power: Salsa in Nueva York', una exposición en el Museo de la Ciudad de Nueva York. "Los músicos estaban escuchando otros tipos de música: el boogaloo y el R' & B' a finales de los años 60, el soul en idioma inglés y la música disco de los años 70".

Grandes sellos discográficos como Fania, y los artistas firmados con ella, tomaron esas influencias y se centraron en hacer música en español, pero sin apuntar a ninguna cultura en particular. La naturaleza inclusiva de la Salsa creó un inmenso poder social y gran orgullo entre sus oyentes, quienes utilizaron la Salsa como un trampolín para el activismo.

"La salsa cuenta la complejidad de los puertorriqueños, latinos, gente de color, lo bueno, lo malo y todo lo demás", dijo Washington. "La Salsa mostró un orgullo en la gente - no que fueran mejores que cualquier otro grupo étnico, pero sí una redistribución del poder de una mejor manera para cada uno, lo que demostró que no eran un problema o una minoría, apenas buenos como todos los demás".

En Rhythm & Power, el equipo de curadores de MCNY utiliza la fotografía de conciertos, lo efímero, los videos y las ilustraciones de álbumes, para mostrar una cultura neoyorquina cuyas influencias han tocado al mundo entero. Aquí, el museo comparte imágenes selectas que muestran cómo la Salsa influyó en el activismo en la ciudad de Nueva York de los años 70, así como la cultura de baile única que sigue definiendo el género hoy.

El estilo específico de la danza de salsa de Nueva York tiene sus raíces en las manías del baile latino de los años 60, incluyendo el mambo, la charanga y la pachanga.

"Lo que es diferente en la Salsa de Nueva York es realmente el uso de trompetas y trombones. Los trombones y los cuernos imitan lo que está pasando afuera en la ciudad de Nueva York", dijo Washington. "No es suave como otros tipos de música caribeña."

"Yo imagino la salsa como algo similar a la música punk o hip-hop o jazz de Nueva York porque comenzó a partir de músicos entrenados y músicos autodidactas", dijo Washington. "Se inició principalmente con la clase obrera o en barrios pobres como una voz de la gente y se extendió, como popular y gran fabrica de dinero, un sonido global".

Hay controversia sobre lo que es la salsa y dónde comenzó - en Puerto Rico o en Cuba. "Argumento lo que es la salsa como una industria, una gran industria que comenzó durante la moda del mambo en la década de 1950", dijo Washington. Eddie Palmieri creó sonidos latinos más pesados, más bailables en los tempranos 60's, sustituyendo los violines por los trombones - que influirían más adelante en la Salsa. Sin embargo, Palmieri ha calificado a la salsa de "mal entendido y falta de respeto" a los diferentes patrones rítmicos. "Tienes que empezar con la rumba. De eso viene el yambú. Tienes guaracha, mambo, cha-cha-cha. Todos tienen sus nombres propios ", dijo Palmieri.

La salsa surgió de las calles y clubes de Nueva York en los años 70, cuando la ciudad se enfrentaba a la quiebra, el crimen se disparaba y muchos vecindarios de bajos ingresos y clase obrera estaban bajo asedio social y económico. En El Barrio, el sur del Bronx y el Lower East Side - lugares con grandes poblaciones latinas y donde vivieron muchos músicos - la exuberancia de la salsa sirvió de banda sonora para el activismo y la recuperación.

Mientras que la salsa se puede considerar como simplemente música de baile, sus músicos y letras hablaron a las realidades de la vida cotidiana. El Conguero Ray Barretto (cuya influencia se puede sentir tanto en el boogaloo como en el jazz y la salsa) fue el director musical de Fania All-Stars, un grupo de salsa con Joe Bataan, Willie Colón, Mongo Santamaría, Pete "El Conde" Rodríguez y otros. Él era uno de muchos artistas de la salsa que iría a tomar una postura política en su música.

"Ray Barretto es un activista centrado en la sociología, lo que está pasando con la ciudad de Nueva York, por qué hay drogas y tanta violencia", dijo Washington. "La Gran Fuga de Willie Colón tiene una imagen del FBI en la portada. Es una especie de broma, poniendo un personaje de tipo malo, pero también resonó con la gente cuando NYC estaba a punto de llegar a la bancarrota.

"La Salsa llegó a la prominencia junto con el surgimiento del Movimiento de las Artes Negras, el movimiento Nuyorican y el grupo nacionalista / activista puertorriqueño Young Lords. "Lo que realmente me interesa de esa época, y se relaciona con la exposición ... es la narrativa general de los puertorriqueños como pobres, como delincuentes. Es también la idea del orgullo, que eran como eran ", dijo Washington.

"Cuando los medios de comunicación y las exposiciones sólo hablan de pobreza e inmigración en relación con la comunidad latina, no se habla de las múltiples y completas experiencias de esta comunidad de comunidades que se cruzan", dijo Washington. "Estamos cansados ​​de estas narrativas."

La potencia vocal cubana, Celia Cruz, fue ganadora de Grammy, fue la reina de la salsa, produciendo 23 álbumes de oro durante su carrera y recibiendo una Medalla Nacional de Artes. Grabó ocho álbumes para Tico Records con Tito Puente, tres álbumes con Willie Colón y fue miembro de Fania All-Stars. Tenía una voz operística, un estilo rítmico, una habilidad para la improvisación y una colorida presencia escénica. Cruz era conocida por llevar pelucas enormes y una sucesión de coloridos zapatos de tacón único. Ella era singular en más de una forma.

"No había muchas cantantes sino muchos cantantes masculinos. Esto lo muestro con un cartel de Fania que dice "Salsa is King." En él hay músicos masculinos sentados, con hermosas mujeres de pie ", dijo Washington. "Éstos eran chicos del barrio, todos los chicos de clase trabajadora, ahora están en trajes de tres piezas. Todos tenemos que ser honestos con la historia de cómo la salsa fue y se comercializa.

Por no hablar de sus músicos extremadamente talentosos, las campañas pesadas de la comercialización ayudaron a definir el género y ganar los primeros Grammys para la Salsa. Compañías discográficas como Fania lanzaron música influyente que fue ampliamente distribuida y finalmente aceptada por artistas no latinos como Stevie Wonder, cuyo éxito en 1973 "Don't worry about a thing" incluye ritmos cubanos. Sin embargo, siguiendo la tradición de muchos géneros ascendentes, había tensión entre los sellos y los artistas.

"Es muy complejo - en algunos casos los artistas podrían haber sido explotados. Por otro lado, con Fania Records y otras compañías, se decía que los artistas nunca leían los contratos", dijo Washington. "Había algunas compañías como Alegre Records que sacaban buena música y la idea no era hacer toneladas de dinero. Fania publicó buenos discos que no ganaban dinero y compartían diferentes tipos de música; También llamaron Salsa a mucha música que no lo era.

"La danza es importante: reúne a la gente, es también una forma adecuada de aprender, mantener a la gente saludable y desafiar la forma en que vive la gente", dijo Washington sobre su exhibición. "A través del poder de la danza, la gente desafía los sistemas políticos, la pobreza."

El baile de Salsa en Nueva York tiene su propio estilo, fue liderado por Eddie Torres en el club nocturno Corso en East 86th Street e inspirado en la música de Tito Puente. Los bailarines de salsa de Nueva York hacen sus movimientos en el segundo conteo (también llamado "Salsa en Dos"), con la mujer comenzando en el avance. Torres, que todavía enseña y ha inspirado a innumerables instructores de salsa, contrasta su estilo con la salsa al estilo de Los Ángeles, que comienza en la primera cuenta.


Cuando Eddie Torres comenzó a codificar su estilo, buscó el baile de salón y dio diferentes nombres a sus movimientos. Tratar de "sofisticar" el estilo de la calle puede ser problemático, señaló Washington, porque los bailarines de Nueva York tienen tantas influencias regionales e históricas: "Nunca podemos decir cómo bailar salsa en la ciudad de Nueva York. Ningún otro país baila como nosotros, porque hay tantas otras influencias, desde Puerto Rico hasta Broadway.

Siguiendo la evolución de la "salsa dura" de los años 70 en las orquestaciones más suaves y lentas de la salsa romántica de los años 80 y 90, la cultura de la salsa se centra hoy en torno a bandas de reunión y música grabada que mezcla "salsa dura" con merenge y bachata. Localmente, hay un mercado enorme para las clases de salsa, sociales y bailes de salón. En todo el mundo, muchos países latinos han desarrollado su propia afinidad por la música.

"Fueron en su mayoría cubanos antes del ascenso de la Revolución Cubana, y más tarde puertorriqueños después del embargo. Ahora la gente de Colombia, Ecuador tienen escenas de salsa. La salsa es la voz de los diferentes grupos étnicos latinos; Otra música no es esa voz ", dijo Washington.

Texto: Jessica Lipsky

lunes, 7 de mayo de 2018

Seis maneras de mejorar tu flexibilidad

Nuestra mirada se siente naturalmente atraída por las líneas y movimientos amplios, en la danza, eso a menudo se traduce en la mayor extensión.

Pero, ¿y si naces sin esas líneas extremas dignas de las fotos de Instagram? Es una cuestión de trabajar el desarrollo de la alineación, así como en el fortalecimiento y estiramiento teniendo en mente una mejor mecánica corporal.

Regla 1: No te contraigas

Es importante tener nociones básicas de anatomía: los músculos principales responsables del levantamiento de la pierna por el lado y el frente son el psoas, cuádriceps y tensor de la fascia lata (TFL). Al realizar el arabesque utiliza los glúteos, isquiotibiales y los músculos de la espalda baja.

Estos músculos "motores" funcionan mejor cuando los rotadores profundos, los músculos internos del muslo y los músculos abdominales profundos, estabilizan la cadera. Si permites que los motores multitarea hagan de multitarea como estabilizadores, esto conduce a la rigidez, lo que significa que esos músculos no se pueden mover libremente.

"Cuando veo bailarines que luchan por levantar la pierna, el problema generalmente proviene de contraer los cuádriceps, TFL o glúteos", dice la fisioterapeuta Emma Faulkner, que trabaja para el Atlanta Ballet. La clave es fortalecer esos pequeños músculos estabilizadores para que hagan su trabajo y no tengas la tentación de agarrarlos.

Ejercicio estabilizador fortalecedor
  1. Túmbate de espaldas con los talones encima de una gran bola de estabilidad, con las piernas estiradas y juntas, en paralelo.
  2. Haz el puente con tus caderas, estirando tu ombligo hacia tu columna vertebral para activar tus abdominales sin contraer los glúteos.
  3. Gira las piernas a la primera posición, activando los rotadores profundos.
  4. Regresa a paralelo y baje sus caderas.

Repite de 5 a 10 veces.

Ejercicio reforzador de rotador
  1. Con cada pie en un disco giratorio, gíralo a la primera posición, luego haz demi-plié.
  2. Transfiere el peso a una pierna y lleve la otra al coupé.
  3. Si tu apertura y la estabilidad del disco te permite, levanta a passé. No contraigas la parte superior de los glúteos. Deberías sentir la activación más baja, en el suelo pélvico.
  4. Avanza hacia attitude (frontal, lateral o posterior) y, finalmente, développé mientras puedas mantener la rotación y la estabilidad de la pierna que va al suelo. Haz algunas respiraciones en cada posición. Prueba con una pierna estirada y una en demi-plié. Para o retroceda un paso si ocurre la contracción muscular.

Repite con tu otra pierna.

Regla 2: encuentra tu alineación

Busca la posición correcta, sugiere Jenifer Ringer, decana del Trudl Zipper Dance Institute en Colburn School en Los Angeles. "Si la colocación en tu "en dehor" es adecuada, tu fuerza aumentará gradualmente y tus piernas eventualmente subirán".

Asegúrate de que tu peso esté en la planta del pie. "El peso no puede estar en el talón en la segunda, eso hace que el trabajo de la pierna sea demasiado pesado", explica Ringer.

Del mismo modo, evita las rodillas hiperextendidas. "La hiperextensión desactiva los músculos que necesitas para mantenerte en una pierna y luego la pelvis se inclina hacia adelante, lo que fomenta la tensión", dice Faulkner. "Si bien la hiperextensión es bella, solo debes usarla en la pierna que está fuera del suelo".

Por último, tus caderas deben estar alineadas, no inclinadas hacia delante o detrás, e incluso de derecha a izquierda.

Regla 3: involucrar al Psoas

Para levantar la pierna por encima de 90 grados, el psoas es el mejor flexor de cadera que se puede usar, dice Faulkner. Pero los bailarines a menudo tienen músculos del psoas débiles y sobrecargados. "Cuando los músculos se atascan en un estado de exceso de contracción", dice ella, "abandonan y se vuelven débiles y sobrecargados, y no pueden alargarse adecuadamente". Un error común es compensar un psoas débil y sobrecargado con el uso en exceso de los cuádriceps y el TFL.

Ejercicio reforzador de Psoas

1. Túmbate de espaldas, con las caderas en el suelo en una posición neutral, con los talones sobre una pelota de estabilidad, con las piernas extendidas.

2. Encuentra tu psoas derecho palpando con los dedos entre el ombligo y el hueso de la cadera. (Para quienes tienen el psoas sobrecargado esto puede ser doloroso, así que pruebe ligeramente; para otros, puede que no sientan el músculo hasta que lo activen). Coloca la mano izquierda en tu cuadriceps.

3. Al exhalar, levanta la pierna derecha de la pelota con el psoas, sin tensar las piernas o los glúteos. "Mantén la columna vertebral neutral, no aprietes el trasero, no aprietes nada", dice Faulkner. "Usa tu exhalación para contraer el suelo pélvico y los abdominales profundos hacia la búsqueda de tu psoas".

Repita 10 veces en cada lado.

Regla 4: Usa tus glútos primero

"Los problemas con el arabesque pueden provenir de un psoas acortado o un patrón incorrecto de activación muscular", dice Faulkner. "Algunos bailarines intentan levantar primero la pierna desde la espalda. La secuencia correcta es activar los glúteos, luego los isquiotibiales y luego los músculos lumbares".

Ejercicio activador de Arabesque

1. Túmbate boca abajo, con las piernas paralelas, las rodillas relajadas y los dedos de los pies metidos como preparación para el tablón.

2. La mano derecha puede estar debajo de la frente y la izquierda puede descansar sobre los glúteos izquierdos.

3. Levanta la rodilla izquierda del suelo, activando solo tus glúteos.

4. Una vez que puedas hacer eso, levanta tu pie mientras giras un poco la pierna, sintiendo que los isquiotibiales se enganchan.

5. Finalmente, para levantar la pierna más arriba, deja que los músculos de tu columna lumbar se enganchen.

Repite hasta que el patrón de activación ocurra naturalmente, luego cambia al otro lado.

Regla 5: estirar estratégicamente

Como los bailarines saben, la flexibilidad es solo la mitad de la ecuación en la extensión. "Nuestro fisioterapeuta sigue diciéndole a mis alumnos que no se estiren demasiado, porque sacrifican fuerza", dice Ringer. Para ayudar a los estudiantes a ganar flexibilidad de forma gradual a la vez que se fortalecen lo suficiente para mantenerla, en Colburn los estiramientos se realizan suavemente y nunca más de 30 segundos de una vez.

Troy Powell, director artístico de Ailey II, acredita la técnica de Horton para la construcción de las hermosas líneas por las que se conoce a los bailarines de Ailey, porque equilibra el entrenamiento de la fuerza junto con el estiramiento inteligente. Su clase incluye una variedad de estiramientos, pero es solo después de un largo calentamiento que aumenta la fuerza. "Los estudiantes deben enfriarse inmediatamente después de la clase", dice Powell. "Mientras tu cuerpo todavía esté caliente, trabaja en cualquier estiramiento adicional que puedas necesitar para abrir las caderas o alargar la espalda y los músculos isquiotibiales".

Ejercicio de estiramiento de psoas para arabesque

1. Arrodíllate sobre la rodilla derecha y con el otro pie frente a ti, las caderas cuadradas.

2. Abre las caderas y luego mueve tu peso hacia delante.

3. Eleva el brazo derecho cerca de tu cabeza. Continúa manteniendo la inclinación a medida que te inclinas hacia un lado de tu rodilla derecha. Mantén un par de respiraciones profundas.

Repita en el otro lado.


Regla 6: Liberación de músculos tensos

Muchas veces, cuando los músculos están tensos, han desarrollado puntos gatillo, dice Faulkner. "Si tienes un músculo lleno de puntos gatillo, no puede estirarse ni contraerse adecuadamente hasta que se libere". Si estás atrapado con un músculo obstinadamente tenso que limita tu extensión, consulta a un fisioterapeuta para que lo suelte manualmente o te aconseje sobre las mejores formas de usar un rodillo o pelota de espuma.

Escrito por Candice Thompson